武蔵野美術大学
通信教育課程
室谷 朱音／トイレのピクトグラムにおけるユニバーサルデザインを考える
仙台駅の調査事例を通じて
概要
本論文では、仙台駅と駅直結ビルを対象にトイレのピクトグラムに関する調査を行い、その結果をもとにトイレのピクトグラムにおけるユニバーサルデザインに対する取り組みについての考察を行った。調査項目は、ピクトグラムのユニバーサルデザインとして推奨されているJIS規格のシンボルが用いられている割合や、言語表記の有無、ピクトグラムの表示位置などである。これらの結果からトイレのピクトグラムの特徴や傾向について、そのピクトグラムが所属する施設や周辺環境などを踏まえながら、分析と評価を行っていった。トイレのピクトグラムに秘められた様々な要素や役割を考えると同時に、トイレのピクトグラムにおける問題点などについても言及している。
「ユニバーサルデザイン的なトイレのピクトグラムとは」
「ユニバーサルデザインに向けた社会的熟成度が高い施設とは」
このように、ユニバーサルデザインの観点で様々な角度からみたトイレのピクトグラムの在り方を考えた研究となっている。
伊藤 幸穂／既存関連作品との比較・分析からおこなう歌川広重《名所江戸百景》の考察
既存作品との関係から広重の制作姿勢とねらいを探る
概要
本論文では、歌川広重の江戸名所絵揃物《名所江戸百景》について、既存作品との比較分析を行うことで、その特徴を考察した。《名所江戸百景》と深く関連する、『江戸名所図会』、『絵本江戸土産』、《名所江戸百景》以前に広重が描いた江戸名所絵を対象に、《名所江戸百景》の図と同じ名所を描いた作品との比較調査を行った。
《名所江戸百景》と近似作品との比較から、既存作品との違いと、それによって生まれる効果を考察した。同じ名所を描いた別の図様の既存作品との比較からは、《名所江戸百景》の構図の独自性を考察した。また、《名所江戸百景》で描かれた名所には、繰り返し描かれる定型的な図様が存在する。《名所江戸百景》においてそれをどのように用いたのか考察した。
《名所江戸百景》は、既存の構図を利用しながらも、風景画に適さない縦絵に対応し、その特性を活かそうとする工夫や構図に特徴がある。また、縦絵という枠組み、名所絵の定型、それらが掛け合わさり生まれた新たな図様に、《名所江戸百景》の独自性があると結論付けた。
木村 淳／ダンテ・ガブリエル・ロセッティの日本における受容
1980年代以降の書籍における文学的および美術的アプローチ
概要
この論文は、ラファエル前派の画家、ロセッティの絵画が、1980年代以降の日本においてどのように受容されてきたかを1980年代から2010年代までの書籍の記述を比較することで明らかにするものである。
1980～90年代に発行された書籍は、ロセッティが詩人でもあることから、明治以来、途切れることなく続けられてきた文学者によるロセッティ研究をベースにした文学的アプローチが主体である。またロセッティの絵画作品は女性との関係で伝記的に説明されることが多く、感傷的な「宿命の女」論は、明治時代の雑誌にも、現代の書籍にも共通して見受けられる特徴である。
2000年代に入って、美術史の研究者が参入することで、ロセッティの絵画を文学や伝記から切りはなして、美術的なアプローチで研究する方向性が生まれた。図版を中心に構成されたビジュアルを重視した書籍が発行され、ラファエル前派が、アカデミズム絵画を相克した「モダン・アート」であるとする新しい知見が生まれた。また、文学者と美術研究者の共同研究の機運も高まってきている。
天野 明美／篠田桃紅『星霜』 1954年に出現した墨線の特異性
文字のかたちから書のしぐさへ
概要
美術家・篠田桃紅（1913－2021年）の回顧展が開催され、その活動の変遷が紹介された時、他の作品とは明らかにその印象が異なった『星霜』という作品の中で行われている特別な表現を明らかにする、これを本論文のテーマとした。この作品が制作された1954年が戦後前衛書の全盛期と重なっていることから、まず前衛書が展開していくその背景と、その運動が試みた新しい表現を検証した。そして様々な実験が行われる中で、篠田がどのような方向性を持ちながら新しい書の表現を行ったのかを、同時代の作品との比較・検証を行った。その際、図版による造形分析だけではなく、筆者の書の体験者としての、臨書を活用し、線質を見極めることとした。篠田はもともと書家で、やがて抽象絵画の世界へ越境したと語られることが多い。作品は抽象作品であるが故か、詳細な分析が行われることはほとんどなく、主に美術の方面から語られる事が多い。そこで本論文では篠田の『星霜』を、書の延長線上の行為として見つめることで、その表現の特異性を明らかにした。
矢野雅彦／「高倉健」という映像記号の解読
願望の映し絵としての視覚芸術の機能の考察
概要
日本の最後の映画スターといわれるほどに、「高倉健」は多くの人々に愛された俳優だった。ただ人気があっただけではなく、日本人の理想とする人間像を具現化したような人物として慕われ、その意味でも特別な存在であったといえるだろう。
撮影現場でも礼儀正しかったといったエピソードが語り継がれるいっぽうで、彼の作品や演技について総括的に論じた言説は少ない。本論文では、高倉健の映画作品を、東映時代・独立後・晩年という3つの年代に整理して考察するとともに、彼がどのような考えを持ちながら演技をしていたかといった背景をそこにプロットしていくことで、彼が何を目指して映画づくりに取り組んでいたかを明らかにすることを試みた。また、そうしたアプローチを通じて、「高倉健」を支持する日本人特有の価値観や、戦後の日本映画が大衆の願望の映し絵として機能してきたことについても考察した。台詞が少なく、視覚を重視した表現者であった点も、造形学部の研究テーマとして、彼を取り上げた理由のひとつである。
岩﨑 真明／円空研究における昭和戦後期から平成期までの着眼点の変遷【優秀賞】
作品と技法から作者の人物像・思想ヘ
概要
昭和戦後期から平成期までの円空研究の着眼点の変遷について、研究家と展覧会を対象として考察をおこなった。
昭和戦後期には、日本美術史で位置付けられていなかった円空作品の造形の独自性や技法、新発見の円空作品という着眼点が認められた。平成期には、円空の人物像や、内面的動機、造像思想への着眼点が増えた。昭和戦後期から円空作品やその技法に対する着眼点が、円空自身の人物像や思想に対する着眼点に移行してきたと考えられる。
さらに考察可能な着眼点を提示する。生涯最後の作品や種類には、円空の明確な意図があったはずである。最後の造像という着観点での考察が少ない。関連して、円空が自ら望んで造像した作品の種類には、円空の何らかの意図や動機が強く反映されていると推測されるが、そうした着眼点での先行研究がない。また円空作品にあらわれた特徴を「円空彫（り）」と表現することがあるが、これに関する研究や論考を探すことができなかった。これらの着眼点からの考察は有意義だと考える。
村瀬 淑子／シャネルの「リトルブラックドレス」から展開した現代のリトルブラックドレスとは
ファッション雑誌から読み解く用語の神話性
概要
今日において、黒い服はフォーマルからカジュアルまで幅広く存在しているが、1926年にココ・シャネルが考え「リトルブラックドレス」と称された黒いワンピースは、黒い服を語る上で革新的な存在だったとされている。しかし「リトルブラックドレス」という用語は私たちの日常で見かけることはあまりない。なぜ「リトルブラックドレス」が革新的だったのか。本論文では黒い服の扱われ方をたどり、「リトルブラックドレス」の用語が持つ神話性を探る。
「リトルブラックドレス」が発表された1920年代と2010〜2021年を現代とした2つの時代に焦点をあて、「リトルブラックドレス」の用語で紹介されているファッションや黒い服に関する出来事などについて、シャネルについて論じた書籍と国内外のファッション雑誌などをもとに調査を行った。
結論として、「リトルブラックドレス」が人々に及ぼした影響の革新性と、「リトルブラックドレス」の用語がシャネルのものであったからこそ現代まで廃れていない本来の意味について述べる。
志村 ひろみ／現代人を魅了する青森の襤褸
「ドンジャ」と「ボド」にみる布とハギレの意義から探る
概要
本論文は、なぜ襤褸が現代人を魅了するのか、檻褸を構成する布の意義に着目し、考察したものである。
襤褸とは、かつて日本の生活の中で、使い古された布を幾重にも継ぎはぎし、さらにボロボロになるまで使われた衣服や敷物のことである。その考察材料として、田中忠三郎コレクションの「ドンジャ」と「ボド」に焦点をあてた。ドンジャとは、青森で作業着や寝具として使われた防寒用着物である。ボドは、敷布状の布である。それらは、はげしい継ぎはぎと、青森という寒冷地には適さない麻布が多用されるという特異性をもつと同時に、圧倒的パワーを解き放っている。
それらが現在、日本だけでなく海外からも注目を浴び、美術館などで紹介されている。それはなぜなのか。その理由を紐解くため、麻と青森の関係、ハギレの意味、布そのものの普遍的要素、展覧会を通じた人々と襤褸の関係を考察した。そして結論では、現代人が襤褸に魅了される理由を、布の意義を通じて明らかにした。
川合純子／ピエール・ボナール作《逆光の裸婦》に関する考察
印象主義とアンティミティの間で
概要
20世紀初頭の美術運動が進行するなか、ボナールは印象主義を取り入れて独自の道を進んでいる。ボナールは印象主義によってどのような絵を目指したのか。《逆光の裸婦》を通して明らかにしたいと考えた。
この作品には、印象主義的な現代の空間に佇む裸婦と鏡が描かれている。化粧する裸婦と鏡は絵画史において重要なモチーフとなってきたが、ボナールは鏡の多様な側面を大胆に使っている。鏡の平面性によって独自の絵画空間を作り、古典から喚起されたものを、鏡を使って導入し、本作のイメージを重層化させている。本作はボナールが関心を持ち続けた半獣神とニンフのテーマが、｢鏡｣と｢覗き見る視線｣によって展開されていると考えられる。ニンフでもある裸婦は、ボナールのアンティミティな眼差しによって官能性のある存在として表象され、半獣神＝画家の｢覗き見る視線｣はドガの｢覗き見る視線｣に繋がり、現代性と古典的要素の二重のイメージを持つ作品である。ボナールは印象主義的な表現に、別のイメージや画家の内面性を重ね、自然主義的な空間を独自の絵画的な空間に変えて、印象主義の表現の可能性を広げたのである。
木戸貴子／カスパー・ダーヴィト・フリードリヒの風景画における汎神論的世界
画面構成からみる独自性と革新性
概要
ドイツ・ロマン主義の画家カスパー・ダーヴィト・フリードリヒ（1774-1840）は、神の存在や信仰心を感じさせる風景画を描いた。宗教美術ではない風景画に宗教的な印象を与えることができたのはなぜか、画面構成に着目して考察した。
まずフリードリヒが宗教的な風景画を描くに至った経緯を、同時代人の思想との関連性から検証した。続いて実際にフリードリヒの作品113点を、近景・中景・遠景の3つの層からなる「景」の組み合わせ、人物の向き・大きさ、構図の形状の3つの視点で分類し、その効果を分析した。
フリードリヒは、無限に広がる風景に神の存在を感じる汎神論思想を持っていた。そして「景」、人物、構図の形状によって風景の無限性と人間の有限性を対比させることで、汎神論的世界を描いた。さらに鑑賞者に画中人物への同一化をうながして画面内の世界を追体験させ、宗教的な印象を深めた。一方、比較対象とした同時代のターナーやナザレ派の作品には同様の効果はみられなかった。フリードリヒはドイツの自然風景に汎神論的世界を融合させた独自性と革新性の高い風景画で、自らの信仰心を表現していた。
蓮見伊澄／数学者の見た源氏香之図
欧米への伝幡過程に見る異文化受容の認知バイアス
概要
「源氏香之図」は香道の競技である組香の一つ「源氏香」の回答に使われる図柄で、和のデザインとしても広く用いられている。5種類の香木の組合せパターンを幾何学的に表すこの文様は数学史的にも重要な存在で、集合分割と呼ばれる分野における世界最古の事例でもある。日本では江戸時代から和算家たちによって研究され、当時の欧米よりも早く関連分野の解明が行われるきっかけにもなった。
1970年代にこの図柄を知った海外の数学者たちの間では、なぜか本来の用途が誤解されて広まり、5行詩の押韻パターンを表現する図柄だという理解が現在まで定説になっている。
本研究はこの不可解な誤解がどのようなプロセスで形成され、その背景にどのような理由や事情があったのかを文献調査によって解明したものである。またこれを例として異文化の文物が不完全な情報に基づいて伝播していく過程で発生する事象について、認知バイアスの観点から考察し一般化を試みた。
杉浦由里子／意匠法における｢類似｣【優秀賞】
特許庁の審査・審判とグッドデザイン賞における評価との比較による考察
概要
意匠（デザイン）を保護するための法律である意匠法では、特許庁に登録された意匠と「同一の意匠」だけでなく「類似する意匠」も保護される。しかしながら特許庁の審査や裁判所における訴訟において判断される「類似」の範囲は良く分かっていない。本論文は、「意匠の類否判断がなぜ分かりにくいのか」という問題に対する答えを明らかにすることを目的とする。
分かりにくさの原因が、特許庁の判断の特殊性にあるのではないかとの仮説の下、グッドデザイン賞における審査委員の評価と、特許庁における審査基準、審査・審判結果とを比較した。具体的には、「冷蔵庫」のデザインについて、どの部分に着目して意匠の評価が行われているかを分析した。
グッドデザイン賞における評価と意匠審査基準の評価の傾向は概ね一致した。一方、審査・審判における評価は異なる傾向が見られ、審査・審判における評価の特殊性が分かりにくさの原因となっていることが示唆された。
柴田剛／ヴォルフガング・ティルマンスの編集行為【優秀賞】
写真集『Kaiserringträger der Stadt Goslar 2018』を読み解く
概要
ティルマンスは、ターナー賞を写真家として初めて受賞し、写真界のみならず現代アート界で注目を集める写真家である。壁面いっぱいに星座のように大小様々の写真をレイアウトするインスタレーションが有名である。2018年に刊行した『Kaiserringträger der Stadt Goslar 2018』は、両面印刷した3メートルの本文を、巾165mm毎に折り畳んで製本された大変ユニークな折本構造の写真集である。本研究は、この写真集を編集の観点から読み解くことである。謎解きのように、ティルマンスが仕込んだ編集行為のひとつひとつを解釈して読み解いた。その結果、本写真集は、書物の形態をした新たなインスタレーションに違いないという結論に至った。当初、「読む」ことを目指した本写真集は、実は、展覧会のように「見る」ものであった。本研究後、人に、よく見て注意深くさせようとするティルマンス作品の真摯な企てに、私はまんまとやられたことに気付いた。
大山卓昭／1990年代における『モーニング』誌の バンド・デシネ企画
その先駆性と2000年代への影響
概要
バンド・デシネとはフランス語圏を中心としたヨーロッパの漫画のことである。そのバンド・デシネを、青年向け漫画週刊誌『モーニング』が1990年代に連載企画として取り上げていたことに着目して、その先駆的な試みを掘り起こし、日本のバンド・デシネ受容に及ぼした影響を考察するのが本研究の目的である。
この『モーニング』誌のバンド・デシネ企画は1989年後半から始まり、そのピークは1992年後半から1995年前半であり、全31作品が誌上掲載された。それらの中にはバンド・デシネらしいヴィジュアル重視作品からストーリー連載作品まで様々なものがあったが、漫画週刊誌上で他の日本のマンガと競合して頭角を現すことのできたものは多くなかったようである。結果として、この企画は1998年前半で打ち切りとなった。本研究では、この企画の全体像を提示してその先駆性を評価し、その後の日本におけるバンド・デシネ受容に及ぼした影響を考察するとともに、研究の制限と将来の研究テーマを検討した。
合田恵佑／1950年代〜60年代日展関連記事にみる市民の美術認識
民営化による権威の変容と持続
概要
明治に始まり、美術界の中心的存在として続いた「官展」は、戦後名称を「日展」と改め1958年に民営化した。
この日展民営化は、現在の美術史では戦前体制の中心であった官展の終わりとして捉えられ、戦後新体制への転換を象徴する出来事として扱われている。当時の代表的な動向としては前衛美術が記述の中心となり、民営化後の日展についてはほとんど注目されることはない。
しかし、実際には民営化後の日展は非常に人気があり、日本社会全体という広い視点で見ると強い影響力を持った。「権威」は持続し、広く地方まで市民が美術に接するきっかけとなった。日展は民営化後も官展的性格を残し、受容者としての市民を含めた広義の意味での美術界は本質的には変わらなかった。
本論文は民営化後日展の絶大な人気を検証し、戦前から戦後への「美術」の連続性、権威の変容と持続を明らかにする。
春海仁美／日本におけるエミリー・ウングワレー展（2008 年）の背景と意義【優秀賞】
非西洋文化間の共感を探る展覧会
概要
2008年に大阪と東京で開催された「エミリー・ ウングワレー展 アボリジニが生んだ天才画家」 （「エミリー展」）は、大きな反響を呼んだ。従来、エミリー展のようにオーストラリア先住民の出自を持つ画家を一人のアーティストとして大規模に紹介する展覧会は世界でもほとんどなく、同展は その後の日本および国際舞台でのエミリーの認知度を大きく上げた。そこには本国オーストラリアや欧米とは異なる歴史的背景を持つ日本における アボリジナル・アートの受容につき、エミリー展の成功に繋がるような独自の事情があったと考えられる。
このような背景を踏まえ、本稿では日本の美術展史上、希有な展覧会であったエミリー展の成功の要因を分析し、同時にその問題点や課題を明らかにすることにより、エミリー展および日本におけるアボリジナル・アートを紹介することの意義を検証・明確化した。本稿による検証は、西洋美術史の枠を超える「美術」が注目されつつある今、 新たな一つの視座を提供することにもなると考えられる。
箱田美恵／河鍋暁斎筆『地獄極楽めぐり図』における田鶴の描写
摩耶夫人投影説への疑問と、少女の往生を描く意図に関する考察
概要
河鍋暁斎筆『地獄極楽めぐり図』は14歳という若さで亡くなった少女の追善供養のために描かれた。少女・田鶴の臨終から、阿弥陀如来を案内役に携え、地獄を見学しながら道中を楽しみ、極楽浄土へ無事たどり着き往生を果たすという物語を描いた四十図におよぶ画帖である。地獄極楽、阿弥陀如来、閻魔王など仏画を思わせる描写を中心に、田鶴が生前愛用した雛飾りや贔屓の歌舞伎役者などなじみ深いものや、骸骨・鬼・天女など様々な図柄が描かれている。
本論では主人公田鶴の描写に注目して作品を考察した。先行研究においていくつかの解釈があるが、その中で「釈迦の母である摩耶夫人に田鶴を投影している」という説に疑問を投げかける。また、画面に田鶴が描写されていない図における田鶴の存在に注目をした。特に四十図の中でも代表作といえる第三十七図「極楽行きの汽車」における田鶴の描写について考察をした。そして暁斎が本作品において田鶴の往生を描いた意図を探る。
安田奈穂子／日本におけるモーリス・ド・ヴラマンク作品の収蔵と展示状況に関する調査
日本に与えた影響
概要
2008年、たまたま立ち寄った美術館で開催されていた “没後50年モーリス・ド・ヴラマンク展”。
「フォーヴィスムの巨匠」と言われるヴラマンクの荒涼感と疾走感を感じさせる作品群との出会いだった。
今までヴラマンクを知らなかったのはなぜなのだろうか、ヴラマンクはどのくらい日本で知名度があるのか、今までにどのくらい作品が展示され、メディアで取り上げられ、そして日本国内の美術館に所蔵されているのか。また、フォーヴィスムとは何なのか。次々に疑問は湧いてきた。実際に作品を見に行って確認する、或いは、美術館アートライブラリーに所蔵されている展覧会図録、国立国会図書館データベース、インターネットを活用し、過去の展覧会展示作品及び国内の美術館での所蔵状況をデータベース化し、どういった傾向がみられるのかを検証した。
また、ヴラマンクが日本でどのように受け入れられているのか、ヴラマンクが日本の画家に与えた影響は何かを探った。
古池大介／「断片化」する観る者
Ｍ・アントニオーニ『欲望』に登場する「屍体」から読み解けるもの
概要
M・アントニオーニ監督の映画『欲望』（1966）に登場する屍体は、ハリウッドなどの商業映画に描かれる屍体とは違い、亡くなった原因が明らかにされていない。その屍体は映画が進行していく中で、意味に回収されることなく、物語という文脈から離脱したカケラのように浮遊している。そして『欲望』をよく観ると、同じような屍体的なカケラが映画のいたるところに散りばめられている。それらは屍体と同じ機能を持ちながら様々にその姿を変え、記号として映画の中に登場する。
本論では『欲望』の中に登場する、屍体やそれと同じ機能を持つ記号に、映画のモンタージュを構成するカットと同一の機能を見出していきながら、この映画が文脈とそこからはみ出す「断片」について描いた映画であることを明らかにしていく。そして『欲望』が実は、映画監督や主人公、ひいてはこの映画の鑑賞者を「断片化」させ、“リアル”に出会わせる装置であることを論じていく。
小林さやか／狩野探幽の鳥
時を表現する幽微
概要
狩野派を「一変」したともされる狩野探幽は、画風は淡麗瀟洒、余白を生かした画面に特徴があるとされてきたが、果たして彼の作品的な特徴はそれだけであろうか。激動の時代に身を置き、長きにわたって江戸幕府の中枢で活躍することとなった御用絵師と、その変化していった画風。本研究では、探幽の描いた「鳥」をテーマに、狩野派として受け継がれる技術のみならず、作品における情緒的な特徴を捉え、新たな視点を見つけ出そうと考えたものである。
狩野探幽が生きたのは、中世から近世へと移り変わる激動期であり、江戸幕府がその権力を確立していく時代である。京の公家衆の掌握を強く意識した幕府の文化政策や、大徳寺や茶の湯とのかかわり、他派の絵師との交流など、狩野派の流れだけでなく多角的に探幽の置かれた立場とその背景を考察することから、作品がその時代性を少なからず表していることを浮き彫りにしつつ、なかでも日本的な表現を感じさせる「鳥」の描き方から、探幽個人が求めた「幽微」の一端に迫る。
青木慶太／タイ寺院壁画の場面配置特性を探る【優秀賞】
19世紀から20世紀にラーンナー地方で描かれたジャータカ第547話を中心に
概要
本論文は、タイの仏教寺院壁画に表現された仏教説話「ジャータカ第547話」の場面配置の特性を探るものである。547 話は物語仕立てになっているが、その物語に則して壁画を「読んで」 みると、物語の進行を無視しててんでばらばらに場面 が配置されているように見える。なぜ、そのような場面配置になっているのか。タイを訪れて、壁画を前にした時に抱いた 疑問の答えを探るのが目的である。
対象とする範囲は、壁画の制作年代を19世紀後半から20世紀初頭、地域をラーンナー地方 (北部タイ) とした。三つの 寺院を事例としたにとどまったが、地域と制作年代を限定したことに加えて、タイ人の人口に胎炎した「547話」を分析 対象にしたことによって、場面配置の特性が明確になったと考える。
出発点はごく個人的な疑問であったが、結果としてある程度ー般化できそうな答えが得られた。それは本文の通りであるが、かいつまんで言えば、ばらばらの裏には幾つもの合理性があったのである。
飯田麗子／関根伸夫《位相－大地》記録写真の掲載状況分析
作品イメージの淘汰と言説の形成
概要
関根伸夫(1942-)の《位相－大地》は、1968年に兵庫県神戸市の須磨離宮公園で行われた現代彫刻展において制作された作品であり、展覧会の会期終了後にその作品は失われた（埋め戻された）ため、その後何度かの再制作は行われたものの、オリジナル作品として《位相－大地》は現存していない。
本作は1970年前後にかけて現れたとされる美術動向「もの派」のきっかけとなった作品としてこれまで国内外において幾度となく論じられてきた作品である。その姿を唯一確認できる資料である《位相－大地》の記録写真は、数多くの言説とともに様々な文献に掲載されてきた。
1960年代・70年代を中心に、これまで美術批評上で発表されてきた言説に添えられた《位相－大地》の記録写真を分析し、一望した先に、《位相－大地》の記録写真の掲載状況の変遷と、「もの派」の概念が形成されていく過程との関わりについて考察することが本論の目的である。
前田佐和子／『MOMO』の挿絵における遊戯性
〈沈黙せる小道具〉が語るもの
概要
1974年にドイツ児童文学賞を受賞した『MOMO』(1973)は、日本でも1976年に『モモ』として出版され、これまでの発行部数は本国ドイツに次ぐといわれている。20世紀を代表する作家ミヒャエル・エンデによるこの作品には自ら描いた挿絵が使われていることから、その絵による表現は翻訳（変換）を介さずとも共通の認識が可能な要素として注目した。本論文はテクストを主体とする文学作品において、これまで研究の対象として取りあげられてこなかった『モモ』の挿絵に焦点をあて、その特質を探る研究である。
エンデは自身の制作について「意図なき自由な遊戯」であるとしており、この重要なキーワードとなる「遊戯」については、彼が深く影響を受けたとされるシラーの『人間の美的教育に関する書簡』(1795)において提唱された美学的概念を基本としている。西洋における書物の伝統的な構成を踏まえ、原書『MOMO』の制作の背景に迫ることで、挿絵における作者の遊戯性の意味を明らかにする。
木村恵子／明治から平成の裁縫指導書に見るシャツ衿の変遷
衿の構造の変化と、デザインの多様化
概要
紳士服シャツの衿の構造は、1820年代以降の取外し式の硬い衿の登場、1930年代以降の衿の一体化の2段階の変化があった。欧米では、糊で固められた硬い衿が徐々に柔らかくなり、デザインも多様化する変化の過程があり、1920年代から1930年代までに主要なシャツ衿のデザインは出揃っていた。本論は、下着として衿取外し式のシャツが登場した明治期から現代までの裁縫指導書の分析による、シャツ衿の文化史研究となる。欧米では取外し式衿が主流になっても、日本では明治時代の正装スタイルこそが正しいマナーとして認識されていたズレがあった。
1960年後半に、ようやくドレスシャツの衿でも縫い付けられたものが一般的なものとして裁縫指導書で取り上げられる。1965年の衿の多様性について調査分析した書籍の登場で、衿の多様性についても論じられるようになった。工業製品として日本で生産されてきたシャツの歴史を追う研究でもある。
清長稔子／物語としての私の世界
荒木経惟『センチメンタルな旅・冬の旅』にみる私写真の手法
概要
写真家、荒木経惟の写真は私写真と評される。私写真とは作家の私生活や身近な人物を題材にした写真作品のことを指す。私を公けに晒すことは大きな苦痛を伴いかねない。荒木は私を物語とすることで、その苦痛から身を守っている。
『センチメンタルな旅・冬の旅』は妻との新婚旅行の写真を用いた「センチメンタルな旅」と妻の病気発覚から死別、喪失を描いた「冬の旅」で構成される写真集である。映画的ともいえる物語性をもつ本書がどのように編まれ、作り上げられているのか。妻の写真を撮り続けた荒木の私写真の集大成とも言える本書の構造分析と画面分析を行うことで、荒木の私写真の手法を考察した。また、他の写真家の私写真の手法との比較を通して荒木の手法の特徴を述べ、私写真の芸術性とその鑑賞のされ方について検証した。
原友理枝／タルコフスキー映画における「水」
映像詩の表現手法と作品構造が織り成す「物語」を探る
概要
タルコフスキーの映画は、ファンや研究者などから難解であると評されることがある。その理由には、物語が過去、現在、未来という時間の流れに従って語られず、ストーリーや筋が不明瞭であること、また、現実のシーンと記憶や夢、人が空中浮遊するなどの非現実のシーンとの区別が、曖昧であることがあげられる。他方、静謐で抒情的な自然描写を生かした作品であるがゆえに、彼は多くの評者たちから「映像の詩人」と呼ばれている。
本論文は、彼の映像詩による特異な表現手法や作品構造の視点から作品を分析し、考察するものである。作品に使われている水の映像と音に焦点を当て、映画の定義にある「時間」、「空間」、「物語性」をタルコフスキーの映像詩がどのように表現しているのか、分析し論じた。
結論では、タルコフスキー映画の「時間」、「空間」、「物語性」を貫いている彼の映像詩は、何を表現しようとしているのか考察を行った。
伊豆田葉子／半襟刺繍全盛期（明治後期～昭和初期）の成立と意匠の考察
図録『ゑり善所蔵 半襟』・雑誌『婦人画報』を中心に
概要
仏繍に始まった日本の刺繍は、衣服に用いられるようになると室町時代の縫箔で最盛期を迎え、江戸時代の小袖で新たな展開を見せ、刺繍技法は染織技法としてほぼ完成の域まで達した。明治に入ると実質的で地味な風潮が広がり、刺繍は染織の補助的な役割をなすようになった。しかし、衰退を見せた日本刺繍が明治後半から大正時代、半襟文様の装飾技法として全盛を極めた。
なぜこの時期、日本刺繍が半襟において主要な装飾として大衆に受け入れられたのか、またその意匠はどのような特徴を持っていたのか、本論文ではその点を明らかにしたいと考えた。
内容としては、京都の呉服店「ゑり善」に残されている半襟の図録『ゑり善所蔵 半襟』の意匠分析と、その時代の風俗や流行服飾が描写されていると思われる雑誌『婦人画報』の読解・分析を中心に進めた。
結論では、分析結果から半襟刺繍全盛期の意匠の特徴をまとめ、日本刺繍が明治以降なぜ半襟刺繍という形で開花したかについて、その理由を推察した。
前砂雅弘／逍遥展示空間に見る川崎市市民ミュージアムの根本的問題
ミュージアムはミュージアム空間を見ないことにする
概要
ミュージアム活動とミュージアム建築には深い関係があるはずである。しかし川崎市市民ミュージアムの活動に、建築との関係を問うのは難しい。なぜなら文化施設としての構想の時点で、二つの違う施設であったものが、ある時点で突然、一つの建物として設計されることになり、それにより複数の要素が捩れたように建物として立ち上がった歴史が明らかになるからである。
また、この建築物の設計には前例のない「新しい概念」が込められており、初めからその研究が運営者に求められていた事実にたどり着くが、上記の理由により建物は難解なものとなった。さらに、ミュージアム運営者はミュージアム建築を理解しようとしない。それには建築が難解であるばかりではなく、入場者数が落ち込んで公的に休館を提案された痛い経験にも原因があった。
本論は川崎市市民ミュージアムを巡る入り組んだ事実を時間を追って解き明かし、その中からひとつの可能性を見出そうとしたものである。
津村真紀子／“The Great Wave”の海外における受容
日本文化のさらなる認知度向上を考える
概要
葛飾北斎の代表作「富嶽三十六景」の中でも、「神奈川沖浪裏」は、海外では“The Great Wave”という愛称で呼ばれて特に親しまれ、知名度の高い図柄となっている。たくさんの北斎作品の中でもこの作品は、北斎を、あるいは日本を象徴するアイコンとさえなっているようだ。
この論文では、「神奈川沖浪裏」がどのように海外へもたらされ、受容されたのか、そしてどのように有名なヴィジュアル・アイコンとなったのかを探り、日本の美術や文化がどのように海外で高い認知度を得るに至ったのかを明らかにする。
本論ではまず、「富嶽三十六景」の成立経緯と日本での受容について概観し、開国後の浮世絵の大量海外流出とその後の経緯について述べる。さらに海外の美術館や研究者によって、どのような認識が示されてきたのか、そして受容されてきたのかを明らかにする。最後に、より大衆的なアイコンとなっていった経緯を述べ、日本の美術や文化が海外で認知度を得るプロセスについて考察する。
柏木紀子／目に見えないイメージの探究と創造
抽象画家 難波田龍起作品の一考察
概要
難波田龍起（1905-1997）は、学生時代に詩人・彫刻家の高村光太郎（1883-1956）の作品や思想に影響を受けて、見たことのない古代ギリシャへの憧憬をいだいて具象絵画に出発し、後に独自の造形表現をもつ抽象絵画を築いた画家である。難波田龍起は作品にはいつも目には見えない人間の内なるイメージを不可視の形象として表出したが、人間の内なるものの表出という点でいえば、それは具象絵画であっても抽象絵画であっても難波田に限らず絵画を形成するうえでは誰にとっても本能的な行為となる。だとすれば、難波田龍起の特性、難波田龍起の作品にしか見られない造形性とは一体どのようなものになるだろうか。難波田は文学志望だったことから詩作が多く、その経緯から作品は詩情性が漂うものと評価されることが多い。
本論はそうした基盤をもつ画家の制作活動を振り返り、作風が大きく変化し始める1970 年代からの作品に焦点をあて、難波田龍起が絵画に表現していった形象の成立とその経緯に着目をおき、難波田にしか見られない造形性を見極めようとする小考である。
中仙道優真／歌川国芳と赤塚不二夫の「反骨精神」はなぜ人気を得たのか
浮世絵・漫画、ふたつの大衆娯楽を比較し考察する
概要
浮世絵師・歌川国芳と漫画家・赤塚不二夫。彼らについて書かれた著書の中で、共通して見かけた評価が、「反骨精神を持つ作家であった」というものだった。なぜ彼らは現在「反骨精神を持つ作家」という評価がされるのか。またその「反骨精神」は、当時の人気とどのように繫がるのかを紐解く。
彼らの人物像は、欲情に疎く人との繋がりを大切にしたという共通の性格があった。また、浮世絵と漫画という大衆娯楽の隆盛と抑圧の歴史を追い、双方の娯楽に「浮世」的な共通の性質を見出した。国芳と赤塚の及ぼした社会的影響からは、彼らが社会の既存概念を打ち破った成果が見え、それが現在の「反骨精神を持つ作家」という評価に繫がっているのではと考察した。しかしその反面、彼らの作品には、時事的な話題や社会的な話題が多く取り入れられており、遊び心を持ってそれらを作品に取り込む手腕と、規制や批判にも自らのスタイルを貫く信念ある姿勢が、当時の、そして今も人気を得る理由なのではないかと結論付けた。
石神華織里／ブリュッセルにおける色彩豊かなズグラフィートの独自性とその効果
都市景観の確保と個性ある都市の両立から生まれた装飾
概要
本論文はベルギーの首都ブリュッセルで建物の外壁を装飾する技法として、19世紀末から20世紀初頭に広まったズグラフィート（sgraffito）で、他のヨーロッパ地域と色彩を比較しただけでも類を見ない装飾であり、これが街並みに与えた独自性とその効果について図版を多用して考察していく。また独立後のめざましい経済的発展のなか、この技法が使われた歴史的要因として考え得る背景を挙げ、自分にとってまだ明確になっていないブリュッセルの技法については現地の作業現場で見たことや日本でいくつかの模作制作を経て気づいたことなどから推測を交えてみていく。第一次世界大戦への参戦や市長ビュルスの逝去、都市計画家の流出以降、街並みの芸術性よりも生活の快適性や利益が優先されたことで乱開発の犠牲になった建物もあった。1990年代から保存・修復の対象とし次々に決定されたことで街の貴重な観光資源の一つになった経緯も含めてズグラフィートのブリュッセルにおける装飾としての効果も考察する。
中林悦子／板東俘虜収容所のドイツ兵による美術活動の考察
製作品展覧会がもたらした日独交流と美術的な印刷物の造形についての分析
概要
第一次世界大戦時、徳島県の板東俘虜収容所で3年間を過ごしたドイツ兵は、収容所の中で多彩な美術活動を行っていた。本論では、その中から「俘虜製作品展覧会」と収容所で印刷された美術作品をとりあげて検証をしていく。
5万人の観客が訪れた展覧会の背景にあるドイツ兵の思いや、それをとりまく日本人の対応、さらに作品の造形はどのようなものであったかを、収容所で発行されていた捕虜の新聞記事や遺された写真から探っていく。
美術的な印刷物は、収容所の謄写版と石版印刷所で印刷された捕虜のデザインによるもので、その造形には当時のドイツ表現主義などにみられる激しさは全くなく、1900年前後から1910年代にかけてのユーゲントシュティールとウィーン美術の影響を強く受けたものである。日本の漢字かな混じり文字を書くために開発された謄写版印刷機を駆使して、鮮やかな多色刷り印刷物を作っていた捕虜の作品を分析して、当時のドイツ・オーストリア美術に受けた影響について論じていく。
大久保修身／ガブリエル・シャネルとクリスチャン・ディオールのモード観に関する差異についての考察
イコノロジーによるファッションデザインの美術的分析
概要
この論文は、フランスのファッションデザイナーであるガブリエル・シャネルとクリスチャン・ディオールのモード観の差異に関する考察である。
論文で扱う事項としては、2人の扱うオートクチュールに焦点を当てた作品とともに、育った環境や知り合いとの関わりなどのバックグラウンドにも触れることで2人の持つモード観の原点とその差異がどのような部分に表現されてきたのかを扱う。このモード観の解釈法として、パノフスキーのイコノロジーを活用する。イコノロジーの自然的主題、伝習的主題、内的意味・内容という観点から多面的にアプローチしていく。
女性の美を追求するディオールと、機能性を追求するシャネル。
相対するポリシーを持つ2人を対比し、本論にて判明したことやそこから考えられる自分の視点を取り入れながら「内的意味・内容」を捉え、ディオールとシャネルのモード観の違い、その真因は何に起因したのかを考察していく。
石井通之／「新潮ムック『月刊』シリーズ」が企図したこと
「アイドル写真集」の被写体をめぐる関係性を考える
概要
本論文は「アイドル写真集」が大量に流通して一つのサブカルチャーとして成り立ってきた現象と、その中でも1998年から2010年まで新潮社からムック本として刊行されていた「『月刊』シリーズ」を取りあげ、その企図と意味について明らかにしてゆく試みである。
構成は、先ず第1章で、写真集というものが備える特徴を踏まえた上で、「アイドル写真集」に見られる際立った特徴を挙げ、定義づけを試みた。そして、そうした写真集を社会に氾濫する「性」を孕む写真の一つの形として捉え、多木浩二と中平卓馬の言説を手がかりに本シリーズに込められた企図について仮説を立てた。
第2章では、「『月刊』シリーズ」の実物観察を行った。シリーズとして一貫する基本体裁を踏まえた上で、刊行の時系列に沿って初期、中期、後期とに分け、シリーズの変遷を追いながらみていった。
第3章では、先の章で観察の中で抽出された要素から写真集の被写体と写真家、被写体と所有者といった二つの関係について考察を試みて、結論に繋げた。
山口普子／浮世絵春画の受容と変遷
1960年代以降の出版物を通じて
概要
浮世絵春画とは、おもに江戸時代に描かれた男女の性愛図のことをいう。ほとんどの浮世絵師が描いたとされ、その数は2千点をくだらないといわれている。
現在春画は、無修整で書籍や雑誌に掲載され、書店や図書館で容易に見ることができる。しかし、このように春画を見ることができるようになったのは、20年くらい前からのことだ。それまで出版物に掲載されていた春画は、塗りつぶしなどの修整が加えられていた。
本論は、現在のように春画を見られるようになるまでの過程を、1960年以降に発行された出版物を通して、明らかにしようとしたものだ。1960年以降の春画を扱った書籍や雑誌記事を資料とし、執筆者、版元、読者、図版の修整方法、海外での評価を中心に資料の観察を行った。観察により、春画の受容は、わいせつ視されていた1960・1970年代、わいせつの基準が緩み、無修整の春画が現われる1980・1990年代、多様な版元が春画を取り上げ、わいせつとは言いがたくなる2000年以降と、3つの過程に分けることができた。
小山めぐみ／ブランディングにおけるタイポグラフィ活用の変遷
CI構築のための制定書体導入の設計
概要
企業や組織でアイデンティティの確立にタイポグラフィを活用してきた事例を、1950年代以降のスイスタイポグラフィや CIブームなどの時代とともに探り、ブランディングにおける制定書体の位置づけの変遷を追う。そして、特にオリジナル書体の開発を行った企業の事例や、最近の事例を見ながら、どのような考え方に基づいて制定書体が取り入れられたのか、ブランディングの目的などをどう設定していたのかをそれぞれ探る。
制定書体と一言でいっても、導入後の運用のされ方によって、その影響範囲は変わってくる。書体の制定に関しては、企業イメージの統一だけではない導入の目的や、導入後の運用についての設計が非常に重要となってくることがわかった。それにより、書体のデザインや使用範囲などにも大きく関係する。制定書体は、CIを確立する一要素であり、理念や使命が基盤となり、信念を持ちながら企業活動が行われていることがブランディングの前提である。
亀井典彦／勝山竹細工 絶滅危惧の伝統的工芸品【優秀賞】
熟達の職人たちが挑んだ、産業継承への4つの壁
概要
勝山竹細工は1979年に、当時の通商産業省より認定された伝統的工芸品である。同じく、岡山県の伝統的工芸品である備前焼よりも早く、県下で第一号の認定であった。
認定時には50人ほどいた職人も徐々に減り、現在、現役職人はわずか1名のみ。もはや、地場産業と呼べないほどに衰退している。衰退の原因は、竹製品の需要減と後継者が一人も現れなかったことにある。しかしその間には、職人たちの販路開拓の奮闘、新商品・デザイン開発の取り組み、行政側からのバックアップもあった。
伝統的工芸品の認定からわずか18年で組合解散に至った経緯を追うことで、現在、全国の伝統工芸が抱える共通した問題点と、そこからの再起の糸口を探ることを目的に、現役の職人、元竹工組合長、元町役場担当者へ取材した。
上田結／装飾的ガラス製品「氷コップ」の成立ち【優秀賞】
日本近代における実用品としての氷コップの実態を探る
概要
明治から昭和にかけて作られた氷コップは、食器や雑貨の分野で日本のガラス製造技術がひととおりの水準に達し、日本独自のガラス製品を作り出しつつあった様子をうかがうことができるものであるといわれている。従来の食器には見られなかった色彩豊かで派手な器が特徴であり、明治から昭和にかけてのガラス製造産業の飛躍的な発達が見受けられる。
本論文は、氷コップが生み出された社会的背景に注目しながら、ガラス製造者、庶民それぞれの視点で氷コップを取り巻く環境の変化を考察し、発生から終息の過程を検証していく。ガラス技術の発達と庶民生活の変化の影響をどのように受けて、日本独自のガラス製品と認識される実用品が生まれたのか。ガラス技術関連の資料だけではなく、明治から昭和にかけての風俗や氷水・氷屋関連の資料や新聞などをもとに当時の社会的背景を明らかにする。
結論では、第1章から第3章までの考察・分析をもとに、氷コップがどのように成り立ってきたのかをまとめ、明治から昭和にかけて欧米から影響を受けた実用品の和様化の過程を示す。
原田友美／機関誌『教育美術』の実践報告から見る、美術鑑賞教育の近年の動向
実践者の鑑賞観を探る
概要
美術鑑賞教育は、近年ますます注目されている。学習指導要領でも、コミュニケーション能力や生きる力と結びつけられ、その教育的効果が期待されている。また、学校現場だけでなく、美術館や民間団体がワークショップやプログラムを行うなど、実践の場も増え、研究も進んでいる。しかし、学校現場では、今まで鑑賞教育を受けたことがない、学ぶ機会がない、といった教員が実際は指導をしているなど、課題も多く残っている。
今回は、美術教育機関誌『教育美術』に1999年から2010年の期間に掲載された、小学校での鑑賞に関する授業実践報告から、実践者である教員がどのような鑑賞観や問題意識を持って実践を行っていたのかについて分析し、そこから近年の小学校での美術鑑賞の動向を考察した。また、明治維新後から始まる近代教育のなかで、鑑賞教育がどのように捉えられてきたのかを見ていくことで、現在の鑑賞教育の特徴が明確になっていった。
大脇奈緒／日本におけるアンディ・ウォーホル受容の特質
1966年-1974年の雑誌記事を通して
概要
本論では、日本で発行された雑誌の記事を通して、1960年代から70年代にかけて世界各地でおこったカウンターカルチャー〈反権威、反体制的な活動と既存の概念にとらわれない、新しい芸術表現を求める傾向がある文化〉が、アメリカのポップ・アーティストとその作品への評価に影響を与えたことを明らかにする。1960年代から70年代の特質であるカウンターカルチャーの台頭とウォーホル受容の関係を明らかにすることで、日本におけるポップ・アート受容の経緯を分析する。
1章では、カウンターカルチャーの台頭を背景に、日本においてウォーホルの映画監督としての活躍が評価されたこと、2章ではウォーホル自身が芸術作品であると捉えられるようになるまでの経過について、3章では1974年のウォーホル来日と「ウォーホル展」の開催が大きな注目を集めたことと、その背景を考察する。
岡田和子／水玉昆虫説
草間彌生 表現の原点をさぐる
概要
この研究は、庭のスミレのさやとツマグロヒョウモンの幼虫の斑点を見て、それらから草間彌生作品の水玉を思い起こしたことに始まる。
日本を代表する世界的前衛芸術家、草間彌生の芸術は、水玉や網などの単純なモチーフを増殖反復させるところが大きな特徴である。今まで水玉は、彼女の家庭環境や精神的な病によって自己消滅の役割を背負い生まれてきたという説が多い。
私は水玉の原点はまた別のところにもあるのではないかと考える。草間は、自然豊かな長野県松本市で生まれ育っている。水玉のモチーフの原点は、病による幻覚だけではなく幼少期に野山などの自然や実家の温室の中で植物や昆虫をながめていた体験が潜在的に関係しているのではないだろうか。
本論では、作品中の水玉表現と昆虫や植物の色や形態を比較し、自伝「無限の網」や彼女のインタビュー、本人の文章をもとに水玉の原点は何であるのか、草間は水玉によって何を表現したかったのかを明らかにしていく。
木南裕美子／ちぎり絵の大衆普及の背景にあるもの【優秀賞】
土佐典具帖紙を救ったのは何か
概要
私がこの研究を始めるきっかけとなったのは、「ちぎり絵に使われ命を吹き返した、しなやかな和紙を漉くのは、今は人間国宝・濱田幸雄さんただひとり」（『和紙と暮らす』増田勝彦監修、別冊太陽、2004）という一文と出会ったからだ。
“ボケ防止”などと言われて高齢者の趣味にもなっている「ちぎり絵」が「土佐典具帖紙」の衰退を救ったというのは事実か。それが事実ならば、どうやって救ったのだろうか。
調べていくうちに、「ちぎり絵」が日本全国に急速に普及した時代があり、その描画材に「土佐典具帖紙」が使われて大量に消費されるようになったことが分かった。歴史上では一行の文章で済むことだが、その背景には脈々と繋がる過去があり、沢山の人達の行動と支えがあって生まれた結果なのである。
本論文は、社会に生きるヒトの心を動かすことの出来たモノが時を越えて残されていく過程を、「ちぎり絵」と「土佐典具帖紙」の関係から明らかにした研究である。
日高華奈／高校美術教科書における単身肖像画の視線
美的体験と美術観
概要
美術教科書とは美術を学んだことのあるものであったら、一度は手にしたことがある資料である。しかし、実際に美術の授業で使うことはあまりない。内容を見ると、過去から現在に至るまでの様々な技法や芸術家、作品を紹介する優れた美術資料であることがわかる。
この論文では、その美術資料としての高校美術教科書を対象に、掲載されている単身肖像画の視線の方向についての研究を行った。過去に使用された美術教科書から現行の美術教科書を調査した結果、現代の教科書に至るにつれて、単身肖像画に描かれている人物が観者の方向を見る、正面視線の作品が増えていることに気づいた。そのためこのデータを数値化し、なぜ正面視線の単身肖像画が増えているのかの要因を探っていった。
そして、いくつか作品を取り上げつつ、単身肖像画の人物と観者の視線の関係から正面視線の単身肖像画の性質を明らかにし、学習指導要領の変遷や現代人の美術観の変化から考察していった。
野口光一／TVアニメ『ゲゲゲの鬼太郎』にみる輪郭線の変遷
過去5シリーズにおける映像表現の推移と考察
概要
現在日本のアニメーションは、老若男女問わず鑑賞されている。また海外でも日本のアニメーションは人気があり、国内外を問わず世界的に魅了し続けている。アニメーションの絵というものは輪郭線から成り立ち、色は「流し込み」技法によるベタ塗りをした色で表現している。絵画の油絵とも違う、デッサンの絵とも違う、スクリーントーンを使った漫画とも違う、アニメーションならではの独特な表現世界を持つ。
今回TVアニメ『ゲゲゲの鬼太郎』過去5シリーズ（1968年、1971年、1985年、1996年、2007年）における輪郭線の変遷を検証した。「輪郭線」というのは、一言でいうと「線の力」である。アニメーションならではの表現が「輪郭線」にあり、時代とともに輪郭線は「線の力」となる「線の暴れ」が増えてきたことに注目した。またアニメータにとって美しいと感じる線と情報量をコントロールし、「省略的なリアルな線」を求めて日本のアニメは制作されている。
高田迪子／橋本平八評価の変遷
「花園に遊ぶ天女」、“怪奇”から“日本近代彫刻の名作”までの遥かな道のり
概要
彫刻展で偶然目にし心奪われた橋本平八の「花園に遊ぶ天女」、私は橋本平八の名前も知らなかった。数日後「花園に遊ぶ天女」が今日では教科書にも載っていることを知り、昭和初期の木彫家橋本平八の評価は大きく変遷してきたのではないかという疑問を持った。評価の変遷をたどり今日の評価の契機を知りたいと過去の文献を探した。
昭和初期に院展同人だった橋本平八は38歳で早世したが、その作風は同時代の批評家からは「怪奇的」と評されることが多かった。死後も永らく「異端の作家」であり死後20年間作品の展示はなかった。その後円空仏の美の発見者として円空との関連で語られることが多かった橋本平八。しかし日本近代の彫刻史の見直しの中で評価が変わり、今日では昭和初期“日本独自の新しい造形”を模索し作り上げた作家として評価は高く定着している。
教科書には平成10年から掲載され、平成15年、平成20年の改編でも変わらない。橋本平八評価の変遷とともに平成10年からの教科書掲載の契機は何であったのかを探ったのがこのレポートである。
根石英生／和辻哲郎『古寺巡礼』における 仏教美術の近代的受容
『古寺巡礼』の美意識と現代への影響について
概要
1918年（大正7）5月、和辻は数人の友人とともに大和を旅し、翌年その印象を『古寺巡礼』にまとめた。仏教美術におけるこの本の影響は現在においても強く、またその影響は当分続くであろう。フェノロサと岡倉天心による古代仏教美術の再発見から、和辻の巡礼、その後の美術史家や文学者、写真家らによる古寺巡礼を通観し、和辻の古代仏教美術に対する美意識を分析した。
和辻は近代的な歴史観や美術史観、言い換えれば西欧的な歴史及び美術史観をもって古代仏教美術に対する。また、古代仏教美術を西洋の美術と比較検討する、つまり身の回りにあるお寺や仏像を西洋美術と同じ土台にのせてその美的価値について語ったが、これは日本近代の知識人にとって画期的なことであったと思われる。
しかし、現在においても和辻『古寺巡礼』が広く受け入れられることによって、一般的教養人と美術史家との間で仏教美術に対する視点が乖離することとなった。美術史家が指摘する正しい作品理解がなおざりにされ、和辻の「文学的、哲学的観照」が力を維持し続けることになった。
若月弓枝／長谷川路可のモザイク制作への取り組みに関する一考察
1960年代の建築におけるモザイク装飾の試みと長谷川路可の造形作品との接点を探る
概要
本研究では、元来日本画家であり、その後フレスコ画を描くことで活躍した長谷川路可が、晩年の数年間でなぜモザイク制作を試みたのかについて着目し、彼にとってのモザイク制作の意義を明らかにすることを意図したものである。日本の建築装飾にモザイク画が導入された背景と長谷川路可のモザイク画への取り組みとの接点を探ることでみえてきた事柄について、彼の弟子である原田恭子さんから聴取した内容を含めて報告したい。
第1章では、西洋から伝えられたモザイク装飾が我が国で発展してきた経緯や歴史的背景、近況の問題点を取り上げる。第2章では、長谷川路可の経歴について触れ、晩年のモザイク作品群の特徴や傾向を探る。第3章では、長谷川路可のモザイク制作とその背景にある事柄との関連性を明らかにし、路可の晩年の主な活動の一つとなったモザイク制作の造形学的意義について検討する。
小宮美由紀／「GUN」の研究
1967-1975年における地方前衛美術運動の一形態
概要
本研究は1967年10月に新潟県で結成されたグループ「新潟現代美術家集団GUN」(以下「GUN」)の1967年から1975年までの活動の相関を明らかにすることで、できうる限り詳細に当時の「GUN」の活動を再構成することを目的としている。
まず第1章では、1967年の「GUN」結成から順調に展覧会を行ってきた「GUN」が1969年にはまったく展覧会を行わなくなった背景を考察した。第2章においては、「GUN」の政治表現への傾倒を、イデオローグだった前山忠の思想、作品を中心にみてゆく。第3章では、メンバーが「空中分解」、「自然消滅」と位置づける1975年に至るまでを述べた。
「GUN」についての先行研究では、1967年から1970年が中心に取り上げられ、個々の活動の関連については述べられてない。本論では活動の相関から「GUN」について考察した。
髙林宣久／アートとしてみる「檸檬」
シュルレアリスムの観点から探るその美的相貌
概要
近代日本文学の作家、梶井基次郎。1925年に発表された、彼の処女作であり名作の誉れ高き「檸檬」を、シュルレアリスムの観点から考察した。
「檸檬」中、特に一個のレモンを重ね上げた画集の上に置き、そのままにして店から出て行くという有名な場面には、文学的ではなく、芸術的相貌も見られるのではないか、という個人的経験から問題提起を行った。芸術として「檸檬」をみた場合、如何なることが言えるのか。いみじくも梶井と同時代に花開いた「シュルレアリスム」をそこに定置し、考察した。
論文前半では梶井や「檸檬」、シュルレアリスムの歴史的経緯に関する叙述、各々に対する論評を整理し、後半ではそれを踏まえた上で「檸檬」の「異質」な読み方を試みた。そこから見えてきたのは、「檸檬」の紛れもないシュルレアリスム的相貌と、その相似の必然性の可能性であった。
鈴木悦子／殿敷侃とヒロシマ
その制作の原点を探る
概要
1992年に50歳で亡くなった環境アーティスト、殿敷侃。広島に生まれ、3歳の時に原爆が投下され、疎開先から父の消息を尋ねて入市被爆する。父の遺骨代わりに鉄のカブトを持ち帰る。続いて母も病気で亡くし、自らも原爆の影響で入院する。その入院中に絵画を始める。自己の喪失感を埋めるための制作から、ヨーゼフ・ボイスとの出会いをきっかけに社会を巻き込んでの大規模なインスタレーション作家へと展開していった殿敷侃。
亡くなる半年前に偶然出会い、木の切り株に赤いペンキを塗った作品に圧倒されながらも、目の前に広がる表現の可能性を感じさせた殿敷侃。彼の30年間の制作活動の変遷をたどり、生前の彼の言葉から、彼にとってのヒロシマ、ヒロシマを表現するとはどういう事なのか、その制作の原点を探ってみたい。