武蔵野美術大学
通信教育課程
永井 真名／奄美・沖縄における女性祭司装束の造形的特徴に関する研究【優秀賞】
ハブラドギンの造形と信仰的意図の関係性についての－考察－
概要
本論では、琉球王朝時代に「ノロ」と呼ばれる女性祭司が着用した装束の一つである「ハブラドギン」について、その造形的特徴を調査し、作り手が造形に込めた信仰的意図について考察した。
調査にあたっては、ハブラドギンの所蔵館を訪れ、実際の一次資料を観察することで、造形的な特徴を整理・分析した。その結果、二等辺三角形の端切れ布をパッチワークのようにつないで、全体的に幾何学的なデザインを成すという共通的特徴や、こまかな個体差を明らかにすることができた。
結論として、二等辺三角形の端切れ布は、ノロの霊的な力の形象化であり、オリジナリティを持って布を継ぎ合わせることで、先代のノロから霊力を継いで、祭祀において自らの結界とするという意味が込められているのではないかと考察した。さらに、そのデザインにノロたちが信仰する他界思想が投影されている可能性についても推論を試みた。
富田 俊輔／桐生・大川美術館における「竣介のアトリエ再見プロジェクト」
開館後30年を経て館の原点を見つめ直すことの意味
概要
群馬県桐生市の大川美術館は1989年に同市出身のコレクター・大川栄二（1924-2008）が設立した。大川が企業勤めの傍ら蒐集した松本竣介を中心とするコレクションを市民に公開している。同館では新館長の下、2018～19年に竣介没後70年・開館30周年記念事業として、竣介に関する企画展群と共に館内に生前のアトリエと同じ空間を設け竣介愛用の品を展示する「竣介のアトリエ再見プロジェクト」を実施した。それに続き近年では地元桐生の作家や市民・企業との結びつきを推進する施策に力を入れている。
本論文では、全国的な美術館建設ラッシュの時代に開館した同館にとり、開館後30年を経て実施した本プロジェクトが持つ意味を論じた。館の設立経緯及び活動の変遷の調査と新旧館長の言説比較を行い、本プロジェクトは竣介のアトリエを実際に見た大川の経験を追体験するもので、館の原点を見つめ直す意味があったと考察した。またそれを契機として「地域社会を牽引する美術館」から「地域社会と共創する美術館」へと歩み出したことを指摘し、同館が現在の地域社会における美術館のあり方の一例を示していると位置付けた。
稲井田 有希／田中一村 没後の展覧会に見る画家像の変遷【優秀賞】
「異端の画家」が再評価されるまで
概要
日本画家・田中一村（1908-1977）は、生前無名であったが、没後1984年にNHK「日曜美術館」で取り上げられると反響を呼び、展覧会の開催、作品集・評伝の発刊が相次ぎ、一躍ブームとなった。2001年には晩年一村が制作した鹿児島県・奄美大島に専門の美術館が開館されるに至っている。
なぜ無名の画家が多くの人の心を動かしたのか、という疑問を解く一端として、本論文では、一村の没後から現在までの展覧会を振り返り、展覧会における一村像の変遷を探った。
一村の初期の展覧会はメディアが主導したもので、そこでは一村の強烈な生き方に焦点を当てた「異端の画家」という像が形成された。その後、美術館主導の展覧会が開催されるようになり、人物よりも作品に焦点が当てられ、伝統を踏まえて独自の画業を成就した画家である、と再評価されるようになった。このような画家像の変遷は、展示作品や比較される画家の変遷とも呼応するものである。更に、異端像形成の背景には、ニュース性を求めるメディアの特性と、異端への注目、があったこと、再評価の背景には、作品収集と美術館の設立、美術史の変化があったことを確認した。
渋谷 暢恵／日本における建築の展覧会 2000年以降の動向【優秀賞】
「場」としての位置付けをめぐって
概要
絵画や彫刻など、実物展示を基本とする美術展と違い、建築展では建築作品そのものを展示できない。代わりに図面、スケッチ、模型、写真、映像といった資料群が展示されるが、建築の専門知識を持たない一般の観覧者にはわかりづらい。テレビ番組や建物見学会を通じて、建築作品そのものの魅力を一般むけにわかりやすく紹介する場が増える中、実物を展示しない建築展とは何のための場なのか。
本研究は、東京圏で2000年から2022年に開催された建築の展覧会を対象に、これまで建築展がどのような意図のもとに開催されてきたのかを調査するとともに、2008年から2018年に組まれた雑誌特集において専門家が建築展に対して問題提起し提案してきたことが、実際にどのように実践されてきたのかを検証した。その結果、主に建築家の業績紹介の場であった建築展が、近年は観客に自分たちの身の回りにある建築そのものに目を向け、考えさせる場へと変化してきたこと、切り口も手法も増え、さらに今後も変化していく可能性を秘めていることが明らかとなり、建築展は、「建築とは何か」を考えるきっかけとなる場、個人と建築、建築と社会を結ぶ間口を広げるための場であると結論づけた。
西村 早百合／漆工芸家 角偉三郎「型破りの美学」
「日展作家」から「創造する職人」への転換を辿る
概要
本論文は、日本漆芸界の革命児・異端児と称された角偉三郎（かど いさぶろう）を取り上げ、その革新性・独自性に新たな視点や価値づけをもたらそうとするものである。角については、代表作《合鹿椀》（ごうろくわん）が脚光を浴び始めた1980年代以降の仕事に注目が集まりがちであるが、日展作家時代や《合鹿椀》誕生に至るまでの過程は、本人の言説以外では詳しく語られてこなかった。本稿では、《合鹿椀》をはじめとする実用漆器制作における革新性・独自性の源泉は、「1962年から1983年までの日展作家時代にある」と仮定し、この期間に手掛けた《額装パネル》《漆芸パネル》、この期間に出逢ったヒト、モノ、コトが、どのように作用して《合鹿椀》誕生へと繋がっていったかを考察した。その結果、角の革新性・独自性は、「型」を会得した上で「型」を破った「型破りの美学」にあると導いた。
髙岸 延江／金沢八景が鏑木清方に及ぼした影響
明治末〜大正期における作風の変化と絵日記の関連性
概要
美人画で有名な鏑木清方（明治11年～昭和46年）は、浮世絵の流れを汲む挿絵画家から自由な発想で描く日本画家へ軸足を移すにあたり、大正8年に購入した金沢八景の別荘滞在中に絵日記を描いており、その中でさまざまな批判に対して試行錯誤を行なったと言われている。
本研究は、清方が大正8年～13年の間に金沢八景で描いた5冊の絵日記を研究対象として、日本画の作風変化と絵日記の関連性について調べたものである。絵日記については一枚一枚を数値に置き換え、年ごとに集計・分析することを試みた。その結果、例えば人物の登場頻度や人物を大きく描く傾向の割合は年ごとに増え、これは人物を点景として描く手法から、人物を中心に描くこととした表れと思われ、つまり、南画風の絵から脱却していく様子がデータからも明らかになった。また、これらデータを使い日本画の作風変化との関連性も分析的に述べた。
こうした分析に清方の随筆「続こしかたの記」を参照しつつ考察を加えた結果、清方が金沢八景の地で心赴くままに絵日記に描くことが日本画壇の混乱も、自分に対する批判も忘れさせ、新しい画風を生み、新しい「鏑木清方」を作りあげたとの結論をえることができた。
加野 由美／バーバリーのトレンチコートに対するイメージの形成と展開
1960年代以降の国内雑誌記事分析を中心に
概要
第一次世界大戦のイギリス軍の軍服として誕生した「バーバリーのトレンチコート」は、当時の軍服としての名残を多く残したまま、100年以上経った現在でもファッションアイテムのひとつとしてワードローブに存在し、日本でも着用している人を多く見かける。
本論文は、軍服として誕生したトレンチコートがファッションアイテムに変わるまでのイメージ形成を考察したものである。特に日本国内での流通が拡大した1960年代以降から2022年までに、国内雑誌に掲載された記事の内容を分析し、バーバリーのトレンチコートに対するイメージの変化について考察した。
その結果、バーバリーのトレンチコートは流通の形態、量の変化に合わせて、イメージが変化していく過程を知り、改めて、ファッションはイメージによって作り上げられていくものであるということがわかった。ファッションはイメージに関わるものであり、イメージの作り方、伝え方、守り方が重要であると言える。
藤井 里絵／プロテスタント再洗礼派アーミッシュの衣服の分析
簡素な衣服とは何か、造形的要素から探る
概要
本論文は、プロテスタント再洗礼派であるアーミッシュの衣服について論じている。アーミッシュに関する先行研究は、衣服に関しての記述はわずかであり、「簡素」という言葉を用い簡単に表す傾向にある。具体例は少なく、現状としてどのように「簡素」であるかが分かりにくい。本論では、衣服の造形を分析することによって、どのように「簡素」であるか考察していくことを目的としている。
第1章では、まず、アーミッシュの誕生から分離するまでの変遷を辿り、アーミッシュとはどのような人々であるかを探る。第2章では、アーミッシュに影響を与えた人々の衣服を分析し、アーミッシュの衣服にどのように影響を及ぼしたか論じる。第3章では、国立民族学博物館所蔵のアーミッシュに関する資料について、先行研究の記述ではみられなかった資料について論じる。第4章では、衣服の実物と国立民族学博物館の所蔵作品資料を分析することで、アーミッシュの衣服がどのように「簡素」であるか検証する。
長谷川 恒明／松井冬子が解放を試みる痛覚の孤独性【優秀賞】
〈痛み〉の視覚化に潜むフラストレーションとカタルシス
概要
本研究では、他者と共有できない孤独な感覚である｢痛覚｣の視覚化を試みる画家・松井冬子（まついふゆこ、1974年1月20日－）の作品約100点を対象とし、それらの観察と分析を行い、松井が表わす〈痛み〉がどのような造形によって特徴付けられているのかを考察した。
また、「〈痛み〉という人間にとって不快な現象を表現しているにもかかわらず、松井の作品が鑑賞に堪え得るのは、実は〈痛み〉とは別の何かが潜んでいるからではないか？｣との問題意識から、その｢〈痛み〉とは別の何か」を言語化すべく、松井の作品をめぐる言説を俯瞰し、松井の作品が鑑賞者に与える影響を考察した。
考察にあたっては、医学的見地から痛覚を概観するだけでなく、日本画の技法や画材にも着目し、神経美学などの学問も手掛かりとした。
研究の結果、松井の作品に見られる〈痛み〉の表現を支える造形の傾向・特徴が明らかとなり、松井の作品に潜んでいるものは松井が標榜する〈痛み〉という感覚よりも、むしろ「フラストレーションとカタルシス」であることが明らかとなった。
松田 順／企業博物館における産業技術資料の保存と活用—国内事例のアンケート調査による現状の把握
産業技術遺産の散逸を防ぐための考察
概要
本論は、国内に1,000箇所以上と言われている企業博物館を中心に、その実態把握をアンケート調査中心で行い、問題点を把握することにある。問題の本質は、産業・技術関係の実物、資料等の保存が多く民間企業又は財団法人等に任されており、必要な保存、保管が必ずしも適切になされないのではとの認識である。一部大企業では適切な収集、保存、展示、研究等行われて問題は少ないが、多くの企業博物館は、設立が企業の創設XX周年記念事業等の一環等で企業広報や営業・宣伝として設置している。今回、企業博物館25施設を対象にアンケートを実施し、さらに数箇所の企業博物館を視察結果も踏まえ現状把握を行った。並行して、国公立博物館での産業技術の資料等の保管、展示等の現状と特に近代化遺産・各種産業遺産等登録選定の取組も見た。実態として各種の産業遺産や重要科学技術史資料（愛称：未来遺産）の登録選定は行うが、人的、財務的な支援はほとんど無く、将来の保存に危うさを覚えた。財政的な裏付けを持つ国立の産業・技術博物館の設立や保存制度が望まれる。
諸田 智恵子／パブリックアートヘの批判について考える
（公財）日本交通文化協会、（公財）メトロ文化財団、
都営地下鉄大江戸線のパブリックアート設置活動を手掛かりに
概要
パブリックアートには様々な批判的見解がある。例えば、パブリックアートはアートではない。パブリックアートは不要だ。パブリックアートは誰の為なのか。なぜそこにそのアートがあるのか等。
本研究は、本当にパブリックアートは批判の対象なのかを考える事をテーマとし、パブリックアートとは一体どの様なものなのか、数あるパブリックアートの中から地下鉄のパブリックアートを対象として多面的に考察する。
ブログやウェブニュース、設置団体の公開情報、駅利用者の様子や駅の構造、大江戸線と副都心線でのパブリックアートプロジェクトの違い、そして駅のパブリックアート普及活動を行う（公財）日本交通文化協会の活動のあゆみ、これらの情報を基に地下鉄アートの役割や設置背景、デザインとの違いについて考えてゆく。その結果を本研究の問いであるパブリックアート批判に照らし合わせ、導いた答えとして述べてゆく。
地下鉄のパブリックアートにはどのような事が関係しているのかを知る一つの情報になれば幸いである。
山脇 竹生／クロード・モネの作品における水景表現の変遷
鏡像のない水面から面的に描かれる鏡像、そして筆触分割によって描かれる鏡像ヘ
概要
本論は、クロード・モネの作品において水面に映った鏡像の表現方法がどのように変遷したかについて考察するものである。 第1章では、モネの作品についてまとめた画集『Monet or the Triumph of Impressionism』の掲載作品572点をもとに、水面が描写された154点を抽出し、以下の3グループに分けた。
［グループ1］鏡像が描かれていない（64作品）
［グループ2］鏡像が連続面を持っている（63作品）
［グループ3］鏡像が筆触で分割されている（27作品）
第2章では、グループ1について、師弟関係にあった画家の作品をもとに、グループ2は古典技法と筆触分割技法の比較をもとに、グループ3は鏡像と実像の繰り返しを避けるための表現をもとに考察した。
第3章では、《睡蓮の池》、《黄昏、ヴェネツィア》を観察した。前者は、睡蓮の実像－柳の鏡像、実像の横－鏡像の縦向きの筆触、遠近法による睡蓮－逆遠近の水景という対比がなされていたことを、後者は筆触の向きで実像と鏡像を描き分けていたことを考察する。
大畠 和／映画『千と千尋の神隠し』レビュー・批評の比較分析
反応と言表に基づく作品受容
概要
本論文ではスタジオジブリの『千と千尋の神隠し』における映画レビューサイトの123人のレビューと文芸批評雑誌『ユリイカ』に掲載された20人の批評文を調査し比較、考察した。レビューと批評に相違点や共通点を明らかにすることで、本作品が映画について意見を書く人々にとってどのようなものであったかを探求することを目的とした。
まずレビューを文中のキーワードを元に5つの評価項目に分類した。またそれを踏まえた上でレビューを「ポジティブ」、「ネガティブ」、「どちらでもない」の3つに振り分けて分析を行った。次に批評を読み、文中に出てきた登場人物や物をピックアップし、20人の批評の中での登場頻度を調査した。またシーンに関してもどこの場面について何人の批評者が言及しているかを表にまとめ、考察した。結果としてこの作品は単体として見られていたのではなく、宮崎作品のひとつとして捉えられていた。
藤野 一郎／公立博物館整備を契機とした文化財観光活用政策の構造
特別史跡一乗谷朝倉氏遺跡（福井県）を事例として
概要
福井県には国の特別史跡に指定された一乗谷朝倉氏遺跡がある。
福井県（福井県庁）は、一乗谷朝倉氏遺跡のもつ観光素材としての価値に注目し、令和6年（2024年）春の北陸新幹線福井開業により県外から多くの観光客が訪れることを期待して、一乗谷朝倉氏遺跡に新しい博物館の整備をすすめている（令和4年（2022年）10月頃開館予定）。
本稿では、一乗谷朝倉氏遺跡への博物館整備を契機とした福井県による文化財の観光活用政策の特徴と変容を分析する。
第1章では、文化財の観光活用について先行研究を整理し、本稿の仮説を提示する。
第2章では、一乗谷朝倉氏遺跡の発掘調査が始まった昭和40年代（1965年～1974年）に、地元住民が遺跡の価値を受入れていった過程を分析する。
第3章では、平成15年（2003年）から平成31年（2019年）まで福井県知事を務めた西川一誠のマニフェスト（選挙公約）などを題材として、福井県の文化財の観光活用政策がどのような背景で生み出されてきたかを明らかにする。
第4章では、博物館整備という政策を具体的に実施する過程を分析する。
終章では、第2章から第4章で明らかになった政策形成過程から、一乗谷朝倉氏遺跡をめぐる観光活用政策は、観光政策部門（観光振興課）と文化政策部門（文化振興課）とのせめぎあいのなかで生み出されたことを結論として出す。
木村三恵子／博多どんたくにおける｢しゃもじ｣の機能の変容と背景
時代の変化とともに移り変わる民具の機能
概要
｢民具｣とは、日本に古くから伝わる生活道具であり、日本人がどのような歴史をたどり、生活してきたか、日本の文化を表すものである。戦後の高度経済成長に伴う暮らしの変化の中で失われた民具も多いが、｢しゃもじ｣は殆ど同じ造形のまま現代まで受け継がれている、最も身近な生活道具の一つである。
｢しゃもじ｣は、飯を盛る為の道具以外にも神の依り代や主婦権の象徴など様々な機能を持っており、それらが発生し定着した背景にはその地域や人々の歴史や文化が密接に関わっていると考えられる。
本論文は、｢しゃもじ｣の使用例の一つとして福岡市の市民の祭り｢博多どんたく｣を取り上げ、この祭りにおける｢しゃもじ｣の機能と変容、その背景を明らかにすべく調査研究したものである。明治期、芸を持たないよそ者が使用したとの記録が残る｢しゃもじ｣は、様々な機能に変容を遂げ、現代では祭りの顔・シンボルとなった。このように変容しながら長年に渡り受け継がれてきた背景には、いくつもの戦争や経済成長などによる人々の暮らしの変化と、福岡・博多で育まれてきた文化が織り交ざり備わっているのである。
高橋由美／『ジュニアそれいゆ』におけるファッションスタイルの分析【優秀賞】
中原淳一がフィット・アンド・フレアーに込めた｢ジュニアらしさ｣とは
概要
フィット・アンド・フレアーは女性の体型を強調するシルエットを持ち、進駐軍を相手に商売をする街娼が日本で波及させたファッションである。中原淳一は十代の少女の対極にあるこのファッションを、なぜ自身が発行する『ジュニアそれいゆ』で数多く発表したのか。本研究は、その問いへの答えを探ることを軸に、復刻版『ジュニアそれいゆ』を主な資料として行ったものである。
まず、中原が誌面で頻繁に用いた｢美しい｣｢愉しい｣｢ジュニアらしさ｣｢新鮮｣という4 つの言葉が持つ意味を読み解いた。それを踏まえた上で、中原の｢センス｣と｢工夫｣が反映されていると思われるデザインポイントを抽出し、スタイル画・写真・製図の分析を行った。その結果、フィット・アンド・フレアーのシルエットを作るために必要な要素をデザインポイントとしてアレンジしつつ、細部でジュニアらしさを表現していることが明らかとなった。
更に、上記の問いへは最終的に2 つの答えが導き出された。
鈴木誠／昭和の歌舞伎絵師 鳥居忠雅【優秀賞】
伝統継承の担い手としての生涯と仕事を探る
概要
東京銀座、歌舞伎座の正面玄関の左右には、絵看板という上演中の演目の一場面を描いた肉筆の日本画が飾られている。この芝居小屋の絵看板を江戸時代から300年にわたって描いてきた鳥居派は、この仕事によって、現代まで続く唯一の浮世絵の流派となっている。
本研究では、昭和時代における鳥居派の存続について、昭和18年から昭和45年までの間、歌舞伎座の絵看板を描いた絵師・鳥居忠雅の生涯と仕事に注目し考える。七代鳥居清忠の弟子で、｢何代目｣とは無縁の忠雅が、なぜ鳥居家の家業である絵看板を描くことになったのか。
忠雅の生い立ちと歌舞伎との関係、鳥居派浮世絵の特徴、忠雅の絵画作品と歌舞伎研究の実績について各章でそれぞれ述べ、その内容から、結論として、忠雅が鳥居派存続の繋ぎ役となることができた理由を述べる。
なお、可能な限り多くの図版と文献を引用した。内容の補完のみでなく、新しい研究課題の発見に繋がることを期待している。
廣野澄／写真展｢福島の花｣の鑑賞者メッセージにおける表現傾向
作家・主催者への共感と他の鑑賞者への自己発信
概要
近年アートセラピーなど医療や福祉の現場でアートがとり入れられており、アートの癒し効果が注目されている。
本研究では写真家野口勝宏が福島に咲く花を主に被写体にして、病院や社会福祉施設の利用者や、より多くの人々に花の心地よさをもたらすために制作する｢福島の花｣のデジタル写真作品を取り上げる。｢福島の花｣の写真展会場に置かれ、来場者が感想を記入するメッセージボードや、野口の活動を支援する｢福島の花｣プロジェクトが発案し、人々の福島への想いや花の想い出、誰かに届けたい想いを集める｢ふくしまの花ポスト｣へのメッセージを分析する。それにより、癒しや癒し以外に来場者が感じたことや他の鑑賞者に対して発信している内容を明らかにする。さらにそれらのメッセージを野口や｢福島の花｣プロジェクトのメンバーヘのインタビューの内容と照合することで、作者と写真展主催者が作品に込めた思いが鑑賞者に伝わっているかどうか、また鑑賞者の思いを作者と主催者がどのように受け止めているかを検証する。
山田眞一郎／鏑木清方の画業の変遷
官展の重圧と｢卓上芸術｣がもたらした新たな絵画表現
概要
本論文は、日本画家・鏑木清方の絵画表現の変遷に｢卓上芸術｣が果たした役割に関する考察である。
挿絵画家として出発した清方は、官展の開設を機に日本画家に転じ、浮世絵風美人画に活路を見出し、花形作家に成長する。
しかし官展で好評を得た｢日本画｣は、必ずしも画家の内的動機によって描かれたものではなく、また理想とする絵画世界も容易には見出せなかったことから、大正期に深刻な停滞期を迎えることになる。
清方はこの時期、画巻、絵日記（画帖）などの制作を通じて、今まで接してこなかった大和絵や新南画などの伝統絵画を熱心に研究したが、このことが日本画家を目指していた頃から希求していた、自然と人間が融合した作品、身近な人々を主題（モチーフ）にした作品である｢卓上芸術｣としてまず結実し、やがて｢日本画｣においても、この画家特有の抒情性と郷愁を伴う絵画表現が完成するに至ったことを明らかにした。
そして市井に生きた人間の営みに対する深い理解と共感を持ち、絵画と文学との共存に執心した清方にとって、｢卓上芸術｣という分野が、後半生において安住の作域となったという解釈を提案した。
天城悦子／日本近世期における『群書類従』の版木に関する一考察
取材と調査から見る保存活用と継承の意義
概要
近世における盲目の国学者であった塙保己一は、後の学者のためにという社会的な目的意義に基づき『群書類従』の編纂を決意する。文献を収集して保管するだけでは散逸、焼失してしまう懸念から、版木による出版事業を考えだす。稀覯書を中心に全国の諸大名や公家、社寺に散在する古代から近世までの史書や記録、秘伝書、文学作品などの古文献1,277種を収集した。日本最大の叢書・文献集で、今流にいえば一大データベースといえる。
その成果を編纂した『群書類従』は666冊にのぼり、山桜材の版木17,244枚の両面を利用し33,831頁が開版された。このような江戸期の大規模な叢書の版木が纏まって残ることは稀で、しかも、その版木を用いて現在でも注文に応じて摺り立て頒布が続けられている例は類をみない。この出版事業を、どこで、どのように発展させたか。重要文化財として保管されている版木の歴史的・文化史的価値をふまえ、文献研究・聞き取り調査・版木倉庫の検証から、その実態を明らかにし、保存活用と継承の意義を考察する。
鈴木康裕／大塚国際美術館と東京藝術大学「クローン文化財」にみる複製技術の現代的意義
複製作品がもたらす私たちの新たな美術鑑賞スタイル
概要
本論では、現代日本の美術鑑賞スタイルの形成過程に、複製技術がどう関わってきたのかなどについて考察しつつ、大塚国際美術館、東京藝術大学「クロ一ン文化財」の検討を通して複製技術の現代的意義について論じた。
第一章では西洋を雛形としながら「美術」が制度化・大衆化され、現代に至る日本的美術受容について、西洋的な真正性の概念と日本的な自然観を対比させながら考察した。さらに現代にあっても、リアルな鑑賞体験をもたらす複製作品の重要性を指摘した。
第二章では二つの具体的事例を比較検討しながら美術鑑賞という視点からそれぞれの特性を分析し、美術鑑賞における複製作品の意義を考察した。
第三章では現代の美術鑑賞スタイルが組織化される過程で、メディアがどのようにかかわったのか検証しながら、美術鑑賞をめぐる今日的課題を設定した。そのうえで第一章、第二章の考察と関連づけながら、複製展示や美術教育に複製作品を活用する意義や、実装上のポイント等について論じた。
田中康弘／学芸員の連携・協働（つながり）による展覧会事業の構想と実際
長野県「シンビズム展」を事例に
概要
本論文は、長野県内の学芸員共同企画によるシンビズム展を取り上げ、展覧会事業の構想に対し、信州各地の学芸員たちの連携・協働（つながり）は、実際どうだったのかを探り、シンビズム展でつながった学芸員たちの連携・協働（つながり）は促進されたのかどうかをあきらかにする。
構成内容は、第1章にて、連携・協働（つながり）が不十分とされる現状の問題とその背景、地域的に抱える問題の要因を分析する。第2章では、基礎調査から展覧会の基本構想をまとめる。終章では、シンビズム展という芸術空間を創りあげた学芸員たちにとって連携・協働といったつながりは促進されたのかどうかをあきらかにするため、アンケート調査から学芸員たちが実際に感じたことについて分析、評価し、構想と実際の比較考察を行った。
結果として展覧会構想である学芸員たちの横のつながりの関係構築から学芸員たちの育成（学芸力の向上）においては、促進されたことを確認し、そのつながりは、今後の信州の文化力を高めるための土台となるという結論に至った。
笠島由翔／内藤礼のつくり出す「場」についての考察
《このことを》と《母型》にみられる時間性を中心に
概要
本論文は、内藤礼の作り上げる作品に現れる独特の「場」の本質を、作品に内包される時間性を切り口に明らかにするものである。
一章では、代表作である《地上にひとつの場所を》等いくつかの作品を取り上げ、それらを鑑賞する際に共通して「今」という瞬間を感じられることを発見した。
二章では、彼女が制作を行う理由である問い「地上に存在すること、それだけで祝福なのか」を考察し、この問いを「私は、『今』ここに確かに存在するのか、あまりいいところではないように思えるこの場所だが、そのことに納得できるのか」と言い換えることができると結論づけた。
三章では、《このことを》と《母型》を鑑賞した体験を元に、E・スーリオ『造型芸術における時間性』で展開される「作品に固有の時間」の考え方を援用し、それぞれの作品の持つ時間性を分析した。《このことを》では、「今」が過去と未来と繋がっていること、《母型》では、「今」は永遠の時間に組み込まれているということが読み取れ、自身の問いに肯定の答えを出しているということが明らかになった。
鈴木真理子／札幌市民交流プラザと「WAVE TIMES」
広報誌から見る公共文化複合施設の広報活動
概要
公共文化複合施設は、劇場やアートセンター、図書館などが一体となった施設であり、全国各都市に存在している。施設の圏域住民が気軽に文化や芸術に触れられる場所だ。札幌市民交流プラザは、2018年10月札幌市内中心部に開館した文化芸術拠点であり、施設によって運営者が異なる公共文化複合施設である。
札幌市民交流プラザの広報活動を事例として調査し、広報誌「WAVE TIMES（ウエーブタイムス）」を中心に、公共文化複合施設が発行する広報誌について、その特徴や相違点を見出すことで公共文化複合施設だからこそ必要な広報活動とは何なのかを考察する。
目次2と3は、全国に存在する公共文化複合施設とプラザについての概要、目次4にて「WAVE TIMES」と東京芸術劇場が発行する「芸劇 BUZZ（バズ）」、いわき芸術文化交流館アリオスの「Alios paper（アリオスペーパー）」の調査および比較検証を行い、目次5を本論文の結論とした。
門悟／アンリ・マティスの作品における「窓」のモチーフの意味、その変化についての一考察【優秀賞】
作家と時代的な文脈における絵画のモチーフのあり方を探る
概要
15年前の「マティス展」で見た「コリウールのフランス窓」への疑問をもとに、マティスの作品における窓のモチーフにはどのような意味があり、どのように変化したかを問題意識として、作家と時代的な文脈における絵画のモチーフのあり方を探る主題を設定した。
そのため、マティスの画集と展覧会の図録、ネット上のサイトの画像から窓が描かれた計144点の作品を選び出し、本稿の研究対象とした。分析の手順は、まず、窓を描いた画家たちの中世からルネサンス、近代にいたる系譜を概観し、おおよそ5つのモチーフの流れがあることを指摘した。次に、144点について、窓と組み合わされたもの、窓の外の風景、窓の開閉、描かれた位置、人物の視線、表現技法などの視点から分類・整理する作業をした。そうして、本論では、各時期に描かれた窓の特徴と傾向を年代順に調べ、代表的な作品について、画集や図録の解説、マティスの言葉や評伝、先行研究の指摘を参照しながら分析・考察を進めた。また、窓だけを描いた作品、アトリエを描いた作品、椅子や花と組み合わせた作品の比較検討をした。
その結果、マティスが、近代までの画家たちの5つのモチーフを取り入れながら、独自のモチーフを創造したこと、そしてアメリカ抽象表現主義へ影響を与えたことを「継承から独創へ」という3点で明らかにし、結論とした。
マクレガー絵理／イヌイット版画の創成期とJ.A.ヒューストン
ケープ・ドーセット初期版画の造形における 「文化の仲介者」の影響
概要
イヌイット版画は、今から約60年前、カナダ北極圏のケープ・ドーセットという地で生まれた。その版画制作をスタートさせ、現地で版画活動の奨励を行いながら市場開拓まで手掛けたのが、自らもアーティストであった、ヨーロッパ系カナダ人のジェイムズ.A.ヒューストンであった。
ヒューストンは、イヌイットが生み出すアートをカナダや欧米の受け手に届けた「文化の仲介者」として知られている。本論では、その「仲介者」が、版画奨励活動の中で、実際どこまで版画制作のプロセスに関わり、造形面にどういった影響を与えたのか（あるいは与えなかったのか）についての考察を試みた。
本研究では、文献調査とともに、版画作品および下絵のモチーフや画面構成といった造形上の考察を行った。その結果、「仲介者」であったヒューストンは、単に作り手から受け手へ作品を流通させていたのではなく、版画というメディアを「イヌイットのアート」とするため、技法、下絵の選択、デザインなど、版画作品の造形面に大きな影響をもたらしていた事例が確認できた。
德野太緒／なぜ、人々は美術館で作品を撮影するのか
森美術館の3つの展覧会におけるInstagram 投稿の分析 ― 写真撮影が取り入れられた美術鑑賞の意味
概要
近年、美術館での美術鑑賞のあり方に変化が起きている。今までの企画展においては、全面撮影禁止が一般的だった美術館が、一部、写真撮影を許可したり、現代美術館においては全作品を撮っていいという事態にもなっている。このような状況から、美術館での写真撮影に対して、美術館を取り巻く社会の価値観が変化しているのを、多くの人が感じ取っているのではないか。
一方、美術館での写真撮影禁止は私たちの会話で疑問視されるほど、身近な問いである。この問いを別の発想で考えた。なぜ、人々は美術館で作品を撮影するのか、撮影したがるのかという疑問が浮上した。
本論文は、美術館での作品撮影が意味することは何かを探ることを目的とし、美術鑑賞に写真撮影を取り入れ、SNSを活用している森美術館を調査対象にした。森美術館の写真撮影の取り組みと過去3つの展覧会におけるInstagram（インスタグラム）の投稿写真を調査し、分析、考察した。人々が撮影した作品の写真から見えてくることを論述する。
神谷弘幸／埼玉県入間市「いるまの彫刻」設置事業の考察
公的空間における「飾る」意味と機能をめぐって
概要
公的な空間に設置された彫刻に覚える違和感をきっかけに「いるまの彫刻」設置事業を考察した。事業は、埼玉県入間市が、1987年から2001年にかけて実施したものである。多額の費用が投入され設置した彫刻であるが、その後あまり顧みられることはない。彫刻を「飾る」という言葉をキイワードとして、その意味と機能を探った。はじめに市議会会議録並びに市の広報紙の掲載記事を調査し、そこに見られる彫刻設置者である市の方針、設置目的を検証した。次に他の県内二市の彫刻設置事業との比較を行い、点在する「いるまの彫刻」が都市空間の中で認知されにくいこと、公的空間に置かれた彫刻は、第一義的には、「飾るもの」であることを論じた。それぞれの作品が市民に関心をもたれ、親しまれ、鑑賞されるようになるためには、物語性が必要であることに言及した。最後に今後の「いるまの彫刻」の活用を展望し、論稿の締めくくりとした。
蘆田真子／nui project の創作活動と、 美術館という場における作品発表について
福祉の枠組みに留まらないアート支援の在り方
概要
nui projectのnuiとは「縫い」のことだ。nui projectではその名の通り、刺しゅうや織りといった、布と糸を使用した表現活動が行われている。創作の舞台は、鹿児島県にある障がい者施設・しょうぶ学園内の工房しょうぶである。nui projectでは、布と糸を使用した表現によって、障がい者アートの枠に留まらない場での作品発表を行っている。
筆者がnui projectの作品と出会ったのは、2016年に開催された神戸ファッション美術館での「BOROの美学 ― 野良着と現代ファッション ― 」展という展覧会であった。この経験を機に、nui projectの作品発表の場について興味を持った。本論文では、特に自分とnui projectの直接的な出会いとなった「展覧会」に着目し、nui projectがこれまでに参加した美術館での企画展を具体的に取り上げる。そして全体を通して、障がいのある方による創作活動やアート作品を、福祉以外の分野で発信するための場として、美術館での展覧会が担う役割について考察する。
田中紀恵／日本における油彩画の修復事例に見る、 修復に対する意識の変化
回復から保存へ。受け継がれる物質
概要
日本における油彩画の修復技術は、西洋から受け継がれ育まれてきた。実際に油彩画の修復をしていると、過去に別の修復家の手で一度処置が行われている作品に出会うことがある。すると、当時どのような心持ちでこの作品に触れていたのかに思いを巡らすことがある。そこで、油彩画の修復を取り巻く人々の修復に対する意識の移り変わりについて理解を深めてみたいと考えた。
本論は、日本の油彩画修復が回復から保存へと移行する過程を検証することで、人々の意識がどのように変化してきたのかを考察する試みである。まず油彩画が日本に広まった経緯を再確認することで、油彩画修復に西洋の手法や視点が取り入れられていく状況を辿った。そして、過去に行われた修復事例を時系列的に見ながら修復技術の進展と修復家の意識の変化を探った。また、実際に傷んだ作品の観察・修理を行うことで、修復と保存の現状も捉え直してみた。
土屋義恵／静岡製雛御殿の成立と変遷【優秀賞】
極彩色の装飾に向かわせたものは何か
概要
本論文は、静岡県で作られた雛御殿を研究対象とし、その成立や形状の変化の過程を追いながら、装飾に影響を与えた要因を探るものである。
雛御殿とは雛の家（館）のことで、御殿飾りとは京阪で飾られていた雛飾りのスタイルである。静岡製雛御殿の歴史は、大正時代に雛道具職人が屋根のない雛御殿の源氏枠を作ることに始まる。昭和初期に紫宸殿の屋根を付けた雛御殿が大量生産され西日本を中心に全国に流通し、戦後も権現造りの屋根を付けた雛御殿が流行したが、昭和30年代に百貨店などで販売されるセットものの段飾りに圧倒され、その生産は終了した。なぜ静岡製雛御殿に権現造りなどの霊廟建築の影響がみられるのか。その理由を明らかにするために、公家の非公式な雛遊びを由来とする源氏枠の構造に着目し、江戸の雛文化由来の雛道具職人が独自の雛御殿を生み出す過程をたどった。それにより、静岡製雛御殿は公家文化と武家文化の融合により作り出されたことを導き出した。
大山典子／衣服が想起させる痛みの記憶【優秀賞】
石内都の3つの衣服
概要
石内都の3つの作品、《motherʼs》《ひろしま》《Frida by Ishiuchi》で撮られた衣服たちはどれも遺品である。これら「石内都の3つの衣服」には、死者たちの「痛み」と共に、残された者たちの「心の痛み」など数種の痛みが宿っている。そして写された衣服たちは、見る者に「痛みの記憶」を想起させる。その3つの衣服たちは、遺品であるということで同じ「痛み」が表現され、我々にも同じ「痛み」を想起させるのだろうか。
本論は、「石内都の3つの衣服」それぞれの衣服を「痛みの視点」から読み解き、相違と重なりを見つけようという試みである。この試みは、視覚芸術で頻繁に扱われるテーマである「痛み」とのひとりの作家の対峙の仕方やその変化を検証することにもなった。誰もが持つ無意識の「母胎から出た時の痛みの記憶」まで遡ることで、作品が揺り動かす共通の「痛みの記憶」を発見した。視覚芸術を媒介とした「痛みの授受」とでもいう作用の理解に少しでも近づこうという研究である。
馬場辰治／中川幸夫作品における「花坊主」の特異性が示すもの
伝統的いけばなとの比較などを中心に
概要
本論文は、花を使った造形作品を制作した、中川幸夫と、その作品「花坊主」を研究対象とした。
中川は、いけばなの流派・池坊において、伝統的ないけばなを学ぶも、自由な創意を求め脱退する。その後も花と向き合い続け、生涯に渡り独創的な作品を数多く発表しつづけ、高い評価と、注目を集めた作家である。
本論では、中川作品における「花坊主」の特異性を証明し、その解釈をもとに「花坊主」が、内包する、伝統的いけばなへの反撥という要素を捉えることを試みる。
伝統的いけばなへの反撥という姿勢は、中川自身による明確な言動もあることから、中川のイメージとして広く共有されているものである。
しかし、それは、作家としての中川を捉えるうえで、その本質を見誤る要因になりかねないことを指摘する。
そして、その正当性を示す作品こそが、本論文で取り上げる「花坊主」なのである。
高﨑一／《キャンベル・スープ缶》と資本主義
アートを求める資本の論理と感性
概要
アンディ・ウォーホルは、作者の内在的創意や動機を執拗に否定したアーティストである。ならば、作者の個性に作品の根拠を求める一般的な作品論では、彼の作品の意義を捉えきれないのではないか ? 本論は、この問題意識のもと、作者ではなく「描かれた対象」を主語に据えて考察する方法で、彼の代表作《キャンベル・スープ缶》の解釈を試みた論考である。
この方法で《キャンベル・スープ缶》に迫ってみると、ありふれた缶製品を生んだ資本主義がなぜアートを求めたのか、なぜ「クール」に描かれることを望んだのか、という問いに辿り着く。本論では、この問いを基本テーマに設定して、キャンベル・スープ並びにアメリカ大量消費社会の歩みと、資本主義の原理的背景にさかのぼって検討した。
そして、資本主義の飽くなき拡大のために、その絶対的手段としてアート・ワールドの権威が求められる内在的な傾向があること、軽薄でしたたかな「クールさ」という感性が有効に働くことが浮き彫りになった。
今回の研究では、《キャンベル・スープ缶》を新たな方法で解釈することを目指した。しかし、ウォーホルのアーティストとしてのスタンスに導かれて試みたこの探求は、結果的に作品論を超え出て、資本主義とアートの根源的な関係性を問う論考へと発展した。
工藤圭余子／島岡達三に見る作陶の変遷と追求
無我の手法「縄文象嵌」を中心に
概要
島岡達三（1919～2007）は「民藝陶器（縄文象嵌）」によって、重要無形文化財保持者に認定された。本論文は、島岡の主軸をなす手法である「縄文象嵌」の特性を中心に、作陶の変遷を辿りながら作品の表現を考察し、濱田から受け継いだもの、発展させたもの、追求したものは何かを明らかにするとともに、島岡の「民藝」に対する思想についても探ることが目的である。
栃木県立美術館所蔵「清水雅コレクション」の1964年から1991年までに作陶された201点をもとに、更に島岡が築窯した1953年からの10年間と、1992年から2007年までの作品を加えて分析した。
「縄文象嵌」は、複合性を持つ技法であり、他の技法と展開していく。そして、魅せる「縄文象嵌」となる。特に、作風の転換期と考えられる1980年代に注目し、その要因も考察した。濱田から継承したものは技法以外にも創造におけるものの見方があった。島岡は、受け継いだものを発展させ、「無我」の手法によって「魅せる」美を生み出した。
赤木 歩／国東半島の石造物と現代人との関係性についての一考察
保全と活用をめぐる現状と課題
概要
石造物が数多く残されている大分県の中でも、県北に位置する国東半島の石造物の現存数は際だっており、地域を特徴付ける文化の一つであるといえる。自然の素材である「石」を用いて時代時代の人々によって祈りを込められ、造り溜められてきた石造物であるが、現代人の視点によって、文化遺産、観光資源といった様々な見方や関わり方が存在する。近年、視点の違いによって問題が起こっているところもある。人口減少や高齢化によって地域文化の継承が危ぶまれている中、石造物やそれらを含めた里山景観を丸ごと次世代に伝えていくためにはどのような方法があるのか。公的なシステムによる評価の観点を明らかにし、そこからこぼれおちる価値についても考察する。
今回の研究では、国東半島の石造物が抱える保全と活用における課題について、フィールドワークを中心に考察を試みた。見慣れた風景の中にある素朴な石の仏さまや神社の鳥居など、身近なところにあるものの「文化的価値」について認識を深め、今後の文化活動の可能性を探りたい。
吉田 映子／平安・鎌倉時代の獅子・狛犬像の造形考察
目、たてがみ、尾、脚に表われる創意
概要
世界中には多様な民族が存在し、異なる言語を話し、異なる宗教を信仰し、異なる造形美術を生み出してきた。民族を象徴する造形や意匠があることに対する関心から、日本を象徴する独自の造形、意匠は何であるのかという疑問が生まれた。
世界の広い地域で象徴的な意味をもつライオンは、オリエント地域からインド、中国、韓国を経由し唐獅子となって日本に伝わった。獅子は、奈良時代頃から美術や芸能に用いられるようになり、外来の文化と日本独自の思想と技法が融合し、平安時代の頃から獅子・狛犬像という他に類のない彫像が造られるようになった。制作が始まった初期の段階となる平安時代後期から鎌倉時代の獅子・狛犬の造形的特徴を分析することで、日本を象徴する意匠や造形を知る手がかりにつながると考え、全国各地から現存する獅子・狛犬像50対（軀）を選び、体の部位、目、たてがみ、尾、脚をそれぞれ系統別に分類し、造形分析を行った。その結果から初期の獅子・狛犬像の造形を考察する。
三輪恵美子／「日本のアール・ブリュット」を「アール・ブリュット」を視座に考察する
支援者による「行為」の「作品化」をめぐって
概要
「アール・ブリュット（生の芸術）」とは、1945 年にフランスの画家ジャン・デュビュッフェが考案した名称で、既存の文化芸術の流れを汲まず、自らの衝動から独自につくられた創作物に見られる表現を評価するための美術批評概念である。しかし、現在の日本においては、「アール・ブリュット」として紹介される作品のほとんどが、知的障害や精神障害のある人の手によるものであり、障害者の芸術活動の振興のために「アール・ブリュット」の概念と名称が利用されている。
この論文では、その中でも特に、施設の職員などの「支援者」が、障害のある人の日常的な「行為」を「作品」として仕立てる事例に注目し、デュビュッフェの「アール・ブリュット」を視座に、そこに評価しようとしているものが何なのか考察を行なった。
チョジック美帆子／異界を結ぶ琵琶噪音【優秀賞】
音楽的結界機能としてのサワリ
概要
本論文では、琵琶法師の歴史と、彼らが奏でた平家物語や荒神祓いといった題材を用いて、琵琶においてビィーンと鳴る非楽音である噪音（騒音）を発生する装置であるサワリが「異界を結ぶ結界を生じさせるため」に付加された、という仮説をたて、検証する。
サワリは日本に琵琶をもたらしたとされるアジア諸国の弦楽器には見られない。同等の機能を持つとされているのは世界でもインドのシタールやヴィーナ、そして琵琶を模したとされる三味線のみである。なぜ日本においてサワリが求められたのかについては、先行研究においてもその理由は推測の域を出ず、わかっていない。この理由を探るために、仮説では琵琶法師の異人、シャーマン、境の人としての媒介性と、サワリ音の持つ倍音と高周波振動の効果に着目した。そして琵琶法師と音科学の二者を基盤とした考察によって、サワリの音もまた異界を運ぶものとして求められたのだ、という結論に至った。
仙田裕美／メディアアートの同一性【優秀賞】
修復が接続する「オリジナル」の未来
概要
本稿ではメディアアートの同一性について、保存修復の側面から考察した。修復は一般的に作品の回復を目指して介入するが、メディアアートはマチエールを更新することで現代さらには未来まで鑑賞に耐えうる状態を目指す。永続性を目指して制作された古典美術とは明らかに異なるメディアアートの保存に対して、どのような介入が行われているのか現代美術を所有する国内施設を調査した。
古典美術が視覚的要素によって作品の同一性を維持するのに対して、メディアアートは介入後のマチエールの変化によって作品の同一性を失うとの懸念が修復に迷いを生じさせていると考えられた。現代美術の特徴に着目し、作品のイデオロギーやコンテクスト、作家自身の介入についても考察を展開した。古典美術の介入とメディアアートの介入を比較検討した結果、作品が「生きている状態」にメディアアートの同一性を維持する要素を見いだすことができた。
唐沢美保／草間彌生作品・無差別生命観と非日常空間が与える観者への影響【優秀賞】
概要
草間彌生（1929-）は、現在も前衛的意識をもって、精力的に活動を続ける現代芸術家である。草間の作品は、平面、立体、環境、版画、映像、文学など形態・素材ともに多岐にわたるものであり、ほとんどすべての芸術領域に踏み込んでいる。美術専門家たちはその広範囲な作品形態を分析するにあたり、多くの場合、作家本人の精神的な病と作品を関連付けて論述している。だが草間の作品は、渡米前から現在に至るまで、作家を取り巻いてきた環境や、作家自身のさまざまな経験が絡み合って生まれてきたものといえる。
本論文では美術専門家たちが取り上げてきた作家の病には触れず、作品から読み取れる一貫した傾向、作品に表れた変化、また作品が人々にどのように受け取られ、どのような作用を与えるものなのか、世界の人々が草間の展覧会に長蛇の列を作るなど、なぜ現代になって大衆が草間の作品に注目するようになったのかを解明する。実地調査では松本市美術館の常設展を数度訪れただけでなく、台湾で開催中だったアジア巡回展覧会（個展）にも足を運び、美術館全体を作品化した空間の中で人々の様子なども観察した。文献だけではわからない鑑賞体験によって、観者の一人として制作に望むことができた。
赤石かりほ／佐渡島の博物館統廃合から考える文化財の継承
存続か閉館かを分かつ限界集落の地域遺産と、宮本常一の人材育成としての民具研究
概要
2014年、佐渡島にある市立博物館と資料館2館の閉館が決定された。文化施設が統廃合されてゆく限界集落で、ミュージアムの存続と閉館を分け隔てる要因はなんだろうか。地域に愛され、存在し続ける博物館の姿を明らかにする。調査対象は、佐渡市の博物館・資料館の中から国指定文化財を所蔵する4館、相川郷土博物館、佐渡國小木民俗博物館、両津郷土博物館、新穂歴史民俗資料館と、財団法人から市立になった佐渡博物館の計5館である。本論では5館の設立にさかのぼり、博物館の活動と入館者数などを分析する。入館者数が多い博物館の要素には何があるのか。
博物館の役割をはっきりさせることで、統廃合されて消滅してゆく地域の文化財のあり方を見直したい。教育機関である地域の博物館がすべきことは、住民本位に立って運営されることである。
森杉直子／熊本県の美術館における高齢者を対象とした教育プログラムの重要性と課題
九州の美術館の実態と活動団体の取り組みから探る
概要
急速な高齢化に伴い、わが国は介護や年金など、これからの人生の死活問題といわれている事柄が最たる問題となっている。また、そうした基本的な問題の解決が、老後の生活の質の向上につながると考えられている。しかし、いくつになろうと生活の質の向上は自己実現にある。なかでもアートは高齢者の生きがいに繋がり、生活をより豊かにするものである。しかし、すべての高齢者が健康に、自分の足で自由に美術館に行ったり、美術教室に通うことができるわけではない。ましてや高齢者施設に入所したり、自宅で寝たきりの高齢者は、だれかの介助なくしては、アートに触れ合うこともできない。
本論文では、市民を対象とした社会教育施設である美術館の、高齢者向け教育プログラムの重要性とその課題について、九州をはじめ、熊本県における美術館を対象に考察したい。
鳥丸京子／〈視覚障害者とつくる美術鑑賞ワークショップ〉への参加研究
他者とみることによる自己発見
概要
〈視覚障害者とつくる美術鑑賞ワークショップ〉は、言葉を使い視覚に障害のある人と視覚に障害のない人が共に美術鑑賞をするワークショップである。
視覚に障害のある人にとって、また視覚に障害のない人にとって見えるものと見えないものとはなんであるのだろうか。見えるものと見えないものを言葉にすることで、そこにはどのような自己発見があるのだろうか。
自ら参加した〈視覚障害者とつくる美術鑑賞ワークショップ〉は、そのことを考える上で非常に興味深い体験であった。
本論では、他者とみることによる自己発見を切り口に、その〈視覚障害とつくる美術鑑賞ワークショップ〉が誕生するまでの流れ、そして、私自身がワークショップに参加したときの様子を述べた。また参加者の感想などの資料を分析し考察を加えた上で、〈視覚障害者とつくる美術鑑賞ワークショップ〉の活動は、視覚に障害のある人と視覚に障害のない人と関わり合い、対話を繰り返すことで、それぞれの自己発見につながっていくことがわかった。
池田琴美／エリック・カールの作品表現と日本における評価の特質
世界的ベストセラー『はらぺこあおむし』と実験的絵本『うたが みえる きこえるよ』をめぐって
概要
『はらペこあおむし』『うたが みえる きこえるよ』の両作品は、同じエリック・カールの初期作品でありながら、その内容自体は対照的なつくりである。エリック・カールとの関わりの深い日本においても、異なるジャンル、異なる業界からそれぞれに評価を受けている。では、日本における絵本出版はどのように両作品の評価に影響を及ぼしたのか、また両作品は日本においてどういう位置づけとなっているのか。
エリック・カールとその作品を主たるテーマとした研究や論文は非常に少ない。その僅かな先行研究のほとんどが、保育・教育研究者による絵本作家としてのエリック・カールやその作品を論じている。そこで私は保育・教育に加え、美術・芸術というクリエイティブな視点も持った上で、改めてエリック・カールの活動と日本における評価を探りたいと考えた。
これらを踏まえて、エリック・カールの代名詞にも近しい、非常に強い存在感を持った『はらぺこあおむし』という作品と、実験的な手法を用いた今までにない絵本『うたが みえる きこえるよ』という作品の表現、そして日本における両作品の評価の特質を、比較考察した。
志村桂子／みぬま福祉会［工房集］における障害者の表現活動
人々のつながりから生まれる仕事としてのアート
概要
近年「障害者アート」に対する取り組みが自治体単位で盛んになっている。私が各地の障害者の作品をみてこれまで感じていたことは、作品に対する評価よりも、制作に対する方法や制作活動の意味といった、制作活動のプロセスや生活に対する疑問であった。
そうした問題意識、問題関心の根底には、私自身が障害者を持つ一人の母親であり、障害者と芸術の関わりの難しさを日々感じているという私的な事情が関係している。
本論文では、こうした問題意識、問題関心を、私自身が明らかにし、少しでも認識を深めるために行った、障害者通所施設「工房集」の取材からみえた、障害者の実際の活動の様子や生活実態、障害者に対する活動への取り組み方、支援の行い方、さらにはそこに関わる人々のつながりをまとめた。
また、本論文を書くことを、障害者が表現活動を行うことの意義、障害者に対する正当な社会認知の普及の手段を考えるスタート台とし、今後の活動につなげていきたいと考えている。
木原尚子／不安を表わす漫画製作用トーンIC S－684 と月岡芳年の煙の 表現に関する一考察
概要
現在漫画では、漫画制作用のトーン（以下トーン）を用いて作画することが一般的である。本論はトーンを重ねて描く漫画の制作過程と浮世絵の版を重ねて描く制作過程とが共通することに注目し、トーンを通じて漫画と絵巻物、草双紙、浮世絵、の表現の継続性と非継続性を検証した。
漫画には見えない感覚や心理を描く「効果」という表現が存在し、その造形の多くはトーンとなっている。特に漫画で「不安」や「不快感」「不穏な空気」を表現する時に用いられるI・C SCREEN S-684（以下IC S-684）が、月岡芳年の煙の表現と似ていることから、両者の関係性を比較検討する。漫画では、IC S-684が誕生する以前には、不安を表す手描きの、通称「おどろおどろ」という表現を用いた。漫画の画面を解体し、その表現の特徴を割出し、日本古来の表現と比較検討しながら、IC S-684のルーツを捜したその結果、ICS-684に通ずる造形を月岡芳年の明治時代の表現に見つけた。
両角月子／松田権六の蒔絵にみる古典文様の受容と現代化
工芸意匠における「やまと絵」の美意識
概要
松田権六（1896-1986）は、古典旧物から継いだ日本の美を漆のうえに表現することによって、明治期からの停滞していた蒔絵の図案を賦活させた漆芸家である。
「大和絵は日本人の創ったもので、そこには日本人の心があらわれている」と本人が語るように、松田は「やまと絵」から日本の文化的な美意識を読みとり、作品に生かした。しかし伝統的工芸を継ぐ松田権六の創作が、西洋哲学を基礎とした確固たる工芸理念に基いたものであるということはほとんど知られておらず、学術的検証も行われてこなかった。本論は松田権六と「やまと絵」の関連性について考察するにあたり、今まで論じられることのなかった松田の工芸理念を考察したうえで、松田作品と「やまと絵」の特徴的意匠との具体的な比較により、松田権六の美意識についての研究を深めようとするものである。明治後期からの工芸創成期に、一貫して日本趣味的主題によって自らの美を映した作品を作り続けた、松田権六の精神というべき「やまと絵」の美意識を明らかにする。
林 えみ／日本芸術療法学会誌40年の活動に見る、我が国の芸術療法イコノロジーによるファッションデザインの美術的分析
概要
日本における芸術療法の研究や実践として、何が行なわれ、報告されてきたのか、その推移を日本芸術療法学会から刊行されている「日本芸術療法学誌」1969年No.1から2011年vol.42までの50 冊に掲載された論文、記事を分類し、分析することで明らかにする。序章では欧米と日本での芸術療法の定義、捉え方について解説する。また日本での芸術療法の展開について分析する。また我が国の芸術療法の歴史と日本芸術療法学会の成り立ちについても言及する。
第1章では論文、記事の内容による分類と、その数的、質的変化から学会と芸術療法を取り巻く変化について論じる。第2章では芸術療法で用いられる芸術ジャンルを総覧し、学会誌で取り上げられている、療法の対象者、治験者についてまとめる。この中で、学会での報告者や、学会の目指し、求める芸術療法の方向性について、学会誌の記述から探っていく。終章として、芸術療法と学会を取り巻く環境とこれまでの流れについて分析、考察を加え、まとめるものとする。
福永 香／メタ・ミュージアム・シアター
文化財の見えない価値を愉しむための仕掛け
概要
美術館・博物館に展示されているモノとしての文化財に興味がない大人でも、作家の人生などの蘊蓄には興味を持つ人が多い。モノのメタ情報である「目に見えない価値」が、大人の知的好奇心を目覚めさせているのである。現在、大量にデジタルアーカイブ化されているメタ情報を、インフォグラフィックス（情報の可視化）技術を用いて、魅力的なアートコンテンツとして提供すれば、忙しい大人が、日常に近い場所で美術作品に出会う場を演出できると考えた。そこで、最近のコンピュータグラフィックス系のアートフェスタの多くに見られるイベント形式を参考に、複数で批評しながら、メタ情報から構築されたアートコンテンツを楽しむ場「メタ・ミュージアム・シアター」を提案した。美術館内の文化財資料がデジタル化されて、参加型の展示となれば、忙しい大人の日常生活のSpice of Life のひとつとなるであろう。このような仕掛けは、文化支援のひとつの有効な手法となると信じている。
中垣 淳／現代美術作家 杉本博司論【優秀賞】
「作品」と「作品を語る言葉」の作用と効果
概要
杉本博司は世界的な評価をされる日本人アーティストのひとりである。
1974年からニューヨークを拠点にして活動を開始した。1995年頃から海外において高い評価をされるようになった。ようやく日本国内での評価が確立したのは2005年頃からである。2008年に杉本作品はオークションで1億円を超える値がつき、世界的な評価をされる日本人アーティストのひとりとして認知されるようになった。
杉本作品について、既に数多くの評論が行われている。評論家たちの言葉や、杉本自身が語る言葉は数多い。これらの言葉に注目して考察を重ねると、そこには「作品」と「作品を語る言葉」に相互に補完する作用と効果が働いているのではないかと考えるに至った。
本論は、杉本が語る言葉について考察を行う初めての論文である。
はじめに評論家たちや杉本本人の言葉にはどのようなものがあるのか確認して行く。そこから、杉本が海外で先に高い評価をされて、その後日本国内で評価されていく過程の言葉や理由についての考察を行う。
杉本の評価を「写真家」から「現代美術作家」へと変えることになった作品については、制作の過程と杉本の言葉を再構築しながら検証を行う。
杉本の言葉に影響を与え、作品や言葉を形成したもの思想や源流となったものを探り、そのうえで杉本がかたちにしようとしている世界観を推論していく。
これを「日本的霊性美術史」と呼ぶことにした。
牧田謙吾／『春陽会雑報』が果した役割と影響についての考察
春陽会員たちを繋ぐもの
概要
『春陽会雑報』は1928年第6回展覧会で創刊された、美術団体春陽会の年会誌である。年に1回展覧会場で無料で配布されていたもので、10年間に16 冊発行された。草創期の春陽会は、会員に中川一政、石井鶴三、木村荘八らを擁する在野の有力な美術団体であり、この小冊子はこのメンバーを中心に制作された。その中でも特に木村荘八の存在と編集力が大きかったと思われる。内容は10年の歴史の中で大きく変わっていくが、その魅力の一つは人物表現にある。ユーモラスで時には茶化しや暴露的な表現で紹介し、奔放な落書き帳の様な一面も見せる。
後半になると賑やかな人物表現に変わって随想主体の落ち着いた構成となる。しかしその随想もストーリー性の高い名文が多く、読み応えのある小冊子となっている。
この研究テーマはこの魅力に富んだ86年前の小冊子に光を当て、春陽会で果たした役割は何であったのか、又その編集の後ろにはどんな意図が隠されているのかを解明しようとするものである。
今井和江／銭湯のタイル絵考
視覚的娯楽装置であるタイル絵の文化的価値を探る
概要
銭湯のタイル絵とは、浴客の目を喜ばせ、湯に浸かる愉しみを増幅させ、「極楽気分」にする視覚的効果装置である。銭湯では、江戸時代の柘榴口の時から美しく浴室内を装飾することで、「目を喜ばす」ことは銭湯の楽しみ方の一つとして確立されており、それが今日までペンキ絵やタイル絵として存在し続けているのである。タイルは、そもそも大正末から昭和にかけて衛生的な実利性と時代の最先端を行くハイカラな装飾として銭湯に取り入れられたが、やはり銭湯には華やかな絵柄が必要だということでタイルに絵を描いた絵付けタイルが現われるのである。このような、「目を喜ばせる」タイルは、時代とともにスタイルを変えていく。大正末から戦前は、金沢の九谷焼の絵師が絵付けしたタイル、戦後は1cm角の小さなモザイクタイルを使って絵柄にしたもの、そして、タイルの主要産地中部地方で制作された絵付けタイルなど、様々に銭湯の壁面を装飾してきた。このように、長いこと継承されてきた銭湯文化の重要なアイテムの一つである、「タイル絵」における文化的価値を明らかにするのが今回の論文のテーマである。
伊藤亜希子／絵本「かちかち山」における江戸期から現代までの視覚表現の変遷
動物の描き方と残酷性の表現の考察
概要
絵本の世界においては、動物たちが擬人化された姿で表されることが少なくない。昔話「かちかち山」の絵本は、江戸時代に既に絵本という形で体裁を整えているが、江戸期と平成になってから出版された作品の、ウサギとタヌキの描かれ方の違いは一目瞭然である。また、残酷な場面での語りや、その描写も時代を経るごとに誇張されたり、省かれるなど変化してきた。
本論は、この「かちかち山」での「動物」と「残酷な場面」の視覚表現が、時代を経るごとにどのように変化してきたのかを考察したものである。
第一章「江戸期から現代までの動物の表現の変遷」では、動物の姿を場面ごとに調査し、時代ごとにその詳細をみていった。第二章「江戸期から現代までの残酷性の表現の変遷」では、その特徴ごとに、江戸から現代までの作品を第一期から第三期に分類し、語りや描き方の詳細をみていった。その結果、「動物」と「残酷な場面」の視覚表現が、時代を経るごとにどのように変化をしたのか、また、その背景に何があったのか見えてきた。
加藤るみ／明治のステインド硝子職人 宇野澤辰雄
明治の西欧化政策と建築界の影響を受けた、ドイツからの装飾技術
概要
明治という時代の中の「日本のステンドグラス」について、当時の建築界、産業界などの記録から考察する。
宇野澤辰雄は、日本最初のステンドグラス職人である。宇野澤は、明治政府の一大プロジェクト＝官庁集中計画の一端として、西洋建築技術を習得するためにドイツへ留学させられた。
明治政府が、一つのプロジェクトのために20名もの人間を海外に派遣させた例はなく、このドイツ留学は、日本の建築や産業に大きな業績を残している。
この研究では、その技術習得留学のなかでステンドグラス技術が選ばれた理由、留学の目的は達成されたのかどうか、また、帰国後、日本の情勢がステンドグラスにどのように影響したのかを検証した。
その結果、明治政府の西欧化政策、日本人建築家が独立し始めた時代の建築界や、産業界の発展状況などが、ステンドグラスの需要に関係していることが分かった。
付録として、明治時代のステンドグラス作品の一覧「竣工年度順 作品解説」を付けた。
近藤佐和子／諏訪地方で出会った裂織
新たな可能性と伝承の意義
概要
裂織とは、布を細く裂いて緯糸に使った織物である。長野県諏訪地方では昔から、自家織りと呼ばれる、農閑期に女性が一家の晴れ着、野良着など衣類のすべてを織っていた。着古しては繕い、その後はおむつ、雑巾、最後は裂いて帯やコタツカバーなどの裂織にした。高度成長期になるとインフラが整備され、衣類を購入するようになり、織りをする人も少なくなっていった。
危機感を覚えた人たちが、裂織という農村の文化を伝承しようと、富士見・原村・茅野の各地域で、行政も含め保存活動が始まる。その後、手芸メーカーから市販の卓上機が市販される。認知度も高まり、裂織りをする人も増えた。作家という人々の活動により、素朴な織りから、アート的な作品へと変わりつつある。
八ヶ岳総合博物館の機織ボランティアに参加し、体験指導をする中で、本来の諏訪で織られてきた裂織とは何であったか。道具、技術を残すのか。伝承するかたちとは、何かについて考察する。
杉山智子／兵庫県立美術館における美術館を中心としたまちづくりの考察
その3年目の状況から見える連帯感の重要性
概要
兵庫県立美術館は、阪神・淡路大震災からの文化復興のシンボルとして、2002年4月に誕生した。震災後、美術館周辺は全て建て替えられて美しく整えられたが、まち全体の活気は取り戻せていない。2010年4月からは、金沢21世紀美術館の初代館長・蓑豊氏が館長に就任し、美術館を中心としたまちづくりを展開している。まず、北側の神戸市立王子動物園から美術館へと続く道を「ミュージアムロード」と命名し、周辺商店には、展覧会チケットの提示でサービスを受けられる「美術館応援店舗制度」を創設した。ミュージアムロードで結ばれて、各施設や灘区まちづくり課に連帯感は生まれているが、まだまちににぎわいは生まれていない。問題点は、美術館周辺は金沢市のように地域コミュニティも整っていないのに加えて、美術館と応援店では話し合いが行われていないため、応援店に連帯感が生まれていないところである。応援店の人たちが連帯感を持つと、それがまちの変化の始まりと考えられる。まちを構成しているのは人であり、その地域の人たちの協力がなければ、美術館に集客力があってもまちは変わらない。まちづくりは、まだ3年目であり、今後もその変化に注目していきたい。
田口和美／ポスターにみる川越まつりの変遷
川越まつり会館の31枚のポスターより
概要
毎年10月中旬に開催される川越まつりは、今からおよそ360年前の慶安4年（1651年）に、川越城主松平伊豆守信綱の命によって始まった。川越まつりは、江戸の天下祭（神田祭、山王祭、根津祭）の屋台や踊り、仮装行列などの風流を取り入れながら発展した。現在の川越まつりは、高さ8m、重さ8トン余の絢爛豪華な山車が蔵の町を曳き廻されるまつりとなり、100万人以上の観光客を集めている。
そして、川越まつり会館には、まつりを紹介する展示とともに、昭和57年から平成24年までの31枚のポスターが掲示されている。これらのポスターからは、まつりの主催者が、まつりの催行をどのように伝えようとしているのかを感じ取ることができる。
本研究は、川越まつり会館の31枚のポスターに使用されている写真や絵などの「画像」と、タイトルやキャッチコピーなどの「文字情報」の変遷から、川越まつりがどのように変化してきたのかを考察した。
谷口小絵子／絵本が語る《特別なふだん》の見つけ方
荒井良二絵本の物語展開における日常性への考察
概要
本研究は絵本作家の荒井良二が絵と文をともに手がけた絵本（以下、荒井絵本という）について、その物語展開における特質を明らかにすることを目的に行ったものである。
絵本とは絵と文からなるひとつの画面を、複数構成することによって表現をなす媒体である。構成された画面の展開をもって、ストーリーは物語られるのである。研究は荒井が本格的に絵本制作を開始した1991年刊行の『ユックリとジョジョニ』から、2011年刊行の『あさになったのでまどをあけますよ』までの荒井絵本作品のうち、入手可能であった32作品を対象にして分析を行い、考察したものである。それにより、荒井絵本の物語展開に3つの特質を見出すことができた。
荒井絵本の物語展開には「くりかえし」によって日常性がもたらされている。その日常性は《特別なふだん》というものの見方を含み、描き出される日常世界は「遠く」へ対する視線によって広がりをもっている。これらの特質は荒井絵本の読み手に対して、あるひとつの生き方を示唆するものである。
この絵本が示唆する生き方への考察をもって、本研究の結論とする。
河辺智子／女流画家協会はなぜ設立されたか
戦後日本の女性画家達が切り開いた発表の場
概要
本論文は、女流画家協会の設立の理由について明らかにするものである。
女流画家協会とは、1946年に11名の発起人により設立された、日本の美術団体である。翌1947年、女流画家協会第1回アンデパンダン展が東京都美術館で開催された。第9回展までアンデパンダン形式で行われ、その後公募展となり、現在も存続している。
戦前、女性洋画家が活動する場は、男性画家が中心となっており、女性画家の活動範囲は男性画家によって決められていた。
女性画家達は抑圧された環境からの反動として、女性画家によるグループ展を実施するようになった。その発展上にあるのが女流画家協会である。
本論では、11名の発起人の活動を中心に、女流画家協会がなぜ設立するに至ったか、発起人の発言や、グループ展の実施状況から考察する。その上で、女流画家協会の設立には、どのような意義があったかについて述べる。
髙久玲子／久米島紬の生産地の変化
「自然・伝統文化を活かした交流促進事業」実施期間を中心に
概要
沖縄県の伝統的工芸品である久米島紬は、平成16年に国の重要無形文化財に認定され、文化的な位置づけや、産業としての知名度をいっそう高めた。
生産地には直面している課題があると思うが、久米島紬の技術が重要無形文化財とされたことの意味を考えても、課題を克服して産業を継承すること、そのために社会が支援する体制を構築することが望ましいとされていることがわかる。
国や県は、伝統的工芸品に対し、さまざまな文化行政、産業行政上の支援を実施しているが、ここで、ふと、国や県の支援と久米島紬とは、実際にはどのように連動したのか疑問に思った。そして、もしもそれらの支援がきっかけとなり、久米島紬の生産地に変化が生じているとしたら、そのきっかけと変化の内容を確認したいと考え、卒業研究のテーマとした。
研究の内容は、生産地の久米島町において、久米島紬の歴史や現在の状況を、聞き取り及び資料調査によって確認することを中心とした。
また、郷土の栃木県や、大消費地と考えられる東京都での久米島紬の販売についても調査し、生産地の変化を発見することを試みた。
山﨑由美子／コンパクトケースについての考察
日本においては60～80年代に黄金期を迎えたコンパクトケース、その成立から衰退までを欧米と比較しながら考察する
概要
女性の化粧道具の一つであるコンパクトの意匠性は高く、海外（主にヨーロッパとアメリカ）ではビンテージコンパクトの熱心なコレクターも多い。日本においても、女性の社会進出に伴いコンパクトの必要性は高まり女性の必需品となった。当初は、海外のストラットン社やキグ社の製品を模したものが多かったが、徐々に独自の製品が作られるようになり1960年代～80年代は日本のコンパクトの黄金時代となり、海外への輸出も行われた。
しかし、コンパクトというのは“容器”である。そのために中身の変遷、粉白粉（ルースパウダー）から固形白粉（プレスト）へと主流が変わるに従ってメーカーが作った容器にしか合わなくなる、などの諸事情からオリジナルコンパクトはだんだんと廃れていくことになった。コンパクトの始まりから終わりまでを欧米と日本とを比較しながら、中身の変化や世相と共に追っていく。また、時代とともになぜ製造販売されなくなったのかを、消費者と製造者の両方から考察する。
大沢敏幸／1950年代のジャズ・レコードジャケットのデザイン
ブルーノート専属デザイナーのリード・マイルスが狙ったもの
概要
1950年代は長時間録音を実現したLPレコードの開発で、長時間演奏のモダンジャズが普及したとともに、SPレコード時代は単なるレコードを入れる紙袋であったジャケットが、デザイナーや画家が起用されてレコードが聴覚・視覚の複合芸術品になった。
当時、ジャズの専門レーベルは数多くあったが、ドイツ移民者が設立した「ブルーノート」は、名演奏の録音と、専属デザイナーのリード・マイルスによる「一見してブルーノートと分かる独創的なジャケット・デザイン」との相乗で名門レーベルに成長した。
リード・マイルスは、どのようなデザインで差別化したのかを検証するため、1950年代後半、モダンジャズ黄金期に制作された124枚のジャケットを観察してデザイン分析を行った。色地に白黒写真の重ね刷り、大胆なトリミング、文字を視覚的表現手段に使うなどの特徴が明らかになったが、観察を繰り返すうちに、購買者の好奇心と想像力を喚起することを狙った結果、差別化が図られたとの結論に達した。この狙いはリード・マイルスがデザインした1984年ロサンゼルスオリンピック公式ポスターにも表れており、生涯にわたるデザイン・コンセプトになった。
若林香代／知的障害のある人の表現活動を発表する意義
ある支援団体の9年間の活動から
概要
2002年、兵庫県姫路市でエイブル・アート・ムーブメントの影響を受けて、普段から知的障害のある人たちと関わりの深かった3人の有志が「あーとパレット」という会を発足させた。この会は知的障害のある人の作る優れた作品を展覧会で一般の人に紹介することと、知的障害のある人と地域の人がお互いに理解し合うためにワークショップをすることを活動としてきた。9年間続いた活動の中で、障害のある人の作品を発表する展覧会を実施したことが、結果として、その作者を取り巻く状況を変化させるきっかけとなっていった。とりわけ展覧会での評価が、その作者と家族との今までの人間関係を変えていく大きな力になった。
本論文は各々の展覧会の準備から実施とその後までの過程で、作者本人、その家族に起きたことを検証し、展覧会の時に行ったアンケート調査やインタビューに基づいて、作者本人、その家族、支援団体にとって発表する場を持つことの意義を考察したものである。
大國雅子／17世紀スペインにおける宮廷画家ベラスケス【優秀賞】
描く自由、描かない自由を求めて
概要
ディエゴ・ベラスケス（1599-1660年）はスペインのフェリーペ4世の主席宮廷画家として活躍し、《ラス・メニーナス》をはじめとする数々の傑作を残した。
17世紀、欧州各地の宮廷では美術品の蒐集熱が高まったが、画家や彫刻家は職人階級とみなされて社会的地位は低かった。また対抗宗教改革下のスペインでは異端審問所が表現の自由を奪い、ユダヤ教やイスラム教からカトリックに改宗した者（コンベルソ）に対する社会的偏見も存在した。
多くの画家が注文主や当局の意に従って、与えられた主題を「どのように描くか」に重きを置いていた時代に、ベラスケスは「何を描くか」を考え続けた。本稿では、コンベルソの子孫という不利な出自を隠し、絵筆と優れた外交能力で国王や法王の寵愛を受け、政治や宗教と深く関わりながら、職人から近代的な芸術家へと歩みをすすめたベラスケスと、彼が求め続けた描く自由について考察する。
立野幸子／松戸市立病院における絵手紙展示の実践
絵と言葉の共鳴が生成する「場」
概要
芸術との出会いは美術館だけではない。公共の場においてもアートが溢れている。展示を目的としない“場”である松戸市立病院における絵手紙展示の現状を「人・物・場」というミュゼオロジーの観点から検証・分析をした。
第一章では松戸市立病院における絵手紙展示の成立と展開を制作者・運営者のインタビューから読み取った。他展示との比較、観覧者の反応は、観覧者の視線調査と意見書から分析した。
第二章では現代日本における絵手紙の成立と本質に迫り、松戸市立病院の場の現状を明らかにした。これにより松戸市立病院において、なぜ絵手紙展示が受容されているのかを検証した。
「場」にふさわしい展示とは、そこに存在する「人」を検証する事により見えてくる。逆に病院内の絵手紙展示では鑑賞から共感へ、それが絵手紙展示を取り巻く共鳴という行動に発展し、創造される「場」作りの可能性も見いだせた。この論文では「人」と「物」の関係性から新たな「場」を生成できた事例とその重要性を論じている。
板井友美／久留米絣の現況考察
多様化する生産構造が伝承に与える影響
概要
久留米絣はおよそ200年前、12歳の少女が考案した福岡県久留米市に伝わる木綿織物である。藍染めの色と、かすれた柄模様、肌触りの良さが特徴で、野良着や日常着として親しまれてきた。30工程もの作業を手作業で仕上げる高度な技術は、国の重要無形文化財に指定されている。
しかし現在、需要の変化で手作業による高価な久留米絣は売れなくなり、産地は衰退している。かわりに機械と化学染料を用いて、安価で流行に即したカラフルで斬新な久留米絣が作られるようになった。また久留米絣を使って洋服や雑貨を開発する企業も活躍している。昔ながらの藍染めと手作業で生産する者たちは伝統柄と技を活かし、新たな販路を模索している。
このように現在、久留米絣の生産構造は多様化している。では、多様化する生産構造は産地にどのような影響を与えるのであろうか。久留米絣の生産者たちへの取材調査で明らかになったことを中心に考察を行った。
藤田礼子／「川崎市市民ミュージアム」の自主再生を検証する
指定管理者制度導入をめぐって
概要
本研究は、神奈川県川崎市にある川崎市市民ミュージアム（以下「市民ミュージアム」と略す）が、2004年2月包括外部監査人により「民間であれば倒産状態」という報告を受け、2003年9月には指定管理者制度が施行されていたにもかかわらず、第三者に受託させることなく自主再生の方針を決めた現象を研究対象として、先行する研究や関連資料を使って、検証したものだ。
先行する研究によると、自主再生の方針を決める事ができたのは、包括外部監査を受けて設置された改善委員会の、「行政側とも市民ミュージアム側とも一線を画したあり方」にあるのではないかと考えていること、指定管理者制度が導入されなかったことが評価されていることがわかった。そこには、総じて指定管理者制度を「悪」のように語られているのだが、本当にそうなのか、そして、その自主再生の方針を決める鍵となった改善委員会のあり方とはどんなものだったのか、改善委員会の活動の軌跡を辿りつつ考察した。
長引く平成不況の影響によって、財政難の地方自治体の行財政改革の標的になっている公立ミュージアムのこれからの在り方が、少し見えてきた。
大内理沙／文献及び映像資料にもとづくカナダ北西海岸先住民の造形に関する考察
暮らしと造形の相互影響関係を探る
概要
カナダ北西海岸先住民の造形作品は、力強さと深い精神性を持ち、多くの研究者を引き付けてきた。その特徴は、民間信仰にもとづく暮らしと強い結びつきのある点である。これまでの研究は人類学、民族学の視点に立ったものが多く、造形作品は特色の1つでしかなかった。美術を研究対象とした場合でも、作品の表現上の特徴と主題に重点を置くものが多い。文献・映像資料をもとに、特徴の捉え方に独自の見方を加え、背景にある思想、暮らしを結びつけて、その相互影響関係がどのように働いていたかを考察した。
個性豊かな表現は、作品が信仰の象徴であっただけでなく、暮らしの中で実用性が高かったことで生み出された。作品の表層を見つめるだけでは解き明かせない深い意味を、生活文化やその根幹にある民間信仰を手がかりにして分析し、精神性と実用性をあわせもつことで作品が強い力を持つに至ったことを明らかにした。
寺本麻衣子／紙の上の展覧【優秀賞】
展覧会チラシに見る“展覧会”と“ミュージアム”
概要
展覧会チラシは、展覧会の開催に関する情報を伝えるという意味で「情報伝達ツール」であり、展覧会の宣伝をするという意味で「広告」であり、展覧会そのものを体現するという意味でその内容を凝縮した「小宇宙」であると考える。本論では展覧会チラシをこの三点を通じて分析することで、ミュージアムが「展覧会チラシ」においてどのように展覧会を表現し伝えようとしているのかを考察した。
分析を通じて、展覧会チラシは展覧会を作品そのものを見せることによって語らしめ、読み手像を想定せず制作されていることが分かった。またチラシの作り手の立場の曖昧さやチラシ上に学芸員など“人”が存在しない点、展覧会が何処からか舞い降りるかのように表現されるといった特徴があることが分かった。
作品を中心に語る展覧会チラシを通じ、今後のミュージアムを取りまく環境を鑑み、“モノ”ではなく“人”を通じて展覧会を見ることの可能性について考える結果となった。
安田真奈美／水戸芸術館現代美術センター活動理念を検証する
設立経緯と事業内容から見る矛盾と問題点
概要
水戸芸術館は、茨城県水戸市に所在する公共文化施設である。音楽・演劇・美術という3つの専門分野で構成されており、それぞれが独立した活動を展開している。本論文で研究対象としているのは、同館の美術部門である水戸芸術館現代美術センターである。
第1章では水戸芸術館の施設と運営基本理念、そして水戸芸術館現代美術センターの概要について述べる。第2章では水戸芸術館の設立経緯を文献に残された記録を元に概観し、検証を行う。第3章では開館後の水戸芸術館現代美術センターの動向や実際に実施された企画事業の一部を取り上げ、分析していく。
その結果、水戸芸術館現代美術センターは公式見解とは異なる経緯で設立された可能性が極めて高いことが明らかとなった。また開館後行われた事業についても、当初言及されていた活動理念とは大きくかけ離れたものになっていることを論証した。結論では、これらの矛盾が何故起きたのかについての考察も行っている。
永田有希子／秋吉台国際芸術村に関するメディア研究
芸術文化の情報発信施設はどのように地域に伝えられてきたのか
概要
秋吉台国際芸術村は、1998年8月にオープンした。開業当初から、国内外アーティストに創作活動の場を提供するとともに、アーティスト同士や、アーティストと地域の交流を深め、地域から世界へ文化情報を発信することを目標としている。しかし、オープンから10年以上経過した現在でもアートと地域の交流どころか、施設自体の存在さえ地域になじみが薄い。利用率は低迷し、収入総額は支出の半分と苦戦、毎年県からおよそ2億円の補助金を受けている。
秋吉台国際芸術村は、どのような変遷をたどり、どのように認知されてきたのだろうか。芸術村に関する文献は非常に少なく、施設を知る手がかりとなる資料は、新聞と県や町が発行する広報紙の記事が主である。朝日新聞、読売新聞、西日本新聞、『ふれあい山口』、『広報しゅうほう』を調査対象とし、1章から5章（オープン前から現在）まで時間の経過とともに芸術村に関する記事を分析・比較しながら、施設がどのように伝えられてきたのかを考察した。
福田尚子／東京国立博物館の展覧会チラシの研究
展覧会の伝え方
概要
近年の東京国立博物館の広告展開には目を見張るものがある。『国宝 阿修羅展』や『大琳派展』はまるで夏フェスのような広告展開で、ムーブメントまで起こす勢いが感じられた。そしてデザインやコピーの斬新さは、これまでの東京国立博物館のイメージからは考えられない、大きな変化がみてとれた。
東京国立博物館の展覧会は、いつからこのように多彩になったのか、そしてどうしてこのように変化したのか。
その理由を確認するために、本論文では東京国立博物館の展覧会チラシを取り上げ調査することとした。展覧会チラシは、展覧会に関連するすべての要素が記載されており、広報活動のなかでも基礎となる媒体である。デザインに関する要素に限らず、展覧会名やキャッチコピー、休館日にいたるまで、文章や文字サイズ、配置位置などについても調査を進めて分析する。それにより、東京国立博物館が何を伝えようとしてきたのか、ひいては東京国立博物館における広報活動の指針はどのように変わってきたのか、本論文はそれらを捉えようとする試みである。
坪松博之／あなたは桜の花を何色と表現しますか?
近代日本の小学校図画教育における日本語の色名の検証
概要
信号機の進めの色はなぜ青と表現するのか？ 桜の花の色は何色といえば伝わるのか？ 日本語の色名を考えるとき、いくつもの疑問が浮かび上がる。この不明瞭さはどこから来たのだろうか。今回（本論）は光との関係による色彩理論をもたらし、日本人の色彩に対する考え方の形成に大きな影響を及ぼした、明治期以降の小学校の図画教育における色彩の取り扱われ方を検証しながら、色名の不明瞭さが生じた原因を探ってゆく。色のない授業としてはじめられた明治初期の「罫画」、図画とは関係ない知識としてこどもたちにもたらされた色彩理論と色名、森有礼との対立で実現しなかったフェノロサの日本画を中心とした教育論、白濱徴主導による知識・技術習得を重視した教育プログラムの導入と色名の整理、自由画運動の中で存在価値を失い、国民学校・戦後の教育復興期に再び注目される色彩、戦後の体験・感覚重視への図画教育の方針転換により教科書の中から姿を消すこととなった色名──と図画教育における色彩の在り方を改めてひとつひとつ捉え直すと、そこに日本語の色名の不明瞭さにつながるいくつかの要因を見出すことができるのである。
松下恵子／新宿西口の都市開発における理想と現実
『新都心ニュース』(1973年〜1998年)の記事分析を中心に
概要
本論文は、新宿新都心開発協議会(SKK)が1973年に創刊した情報誌『新都心ニュース』の中から、1973年の創刊号から1998年の150号までの内容分析を行い、西新宿の都市開発について考察を行ったものである。
分析方法として、まず『新都心ニュース』の表紙写真やニュース構成要素に関する数量的分析を1970年代、1980年代、1990年代の時代区分ごとに行い、全体の構成と時代ごとの変化を把握する。さらにそのデータをふまえ、具体的な記事を取り上げながら事例的内容に関して時代区分ごとに比較・分析を行う。その上で数量的分析と事例的内容分析の結果から明らかとなった変化について述べたいと思う。
これらの分析を通して、1970年代から1990年代にかけての人々の生き方や考え方、社会の特徴、新都心をめぐる議論や話題の傾向の変化、SKKの理念である「生き生きとしたヒューマン・スペース」の実現と西新宿の都市開発にはどのような関係があったのかなどを明らかにすることが可能となるだろう。
岡田和美／公園内美術館に何が求められたか
府中市美術館開館の経緯をふまえて
概要
「光と緑にあふれた空間の中で住民に親しまれ、憩える美術館」を目指して2000年に開館したのが府中市美術館である。都立公園の中にあるという緑豊かな環境で、気軽に足を踏み入れることができる美術館であり、展覧会や教育普及活動への評価も高い。
しかし公園が家族連れなどでにぎわう休日、美術館の中はひっそりとしていることがある。また魅力的な企画展が行われていても、交通手段の不便さ、分かりにくさが美術館の足かせになっているような危惧もあった。公園と美術館を単純によい関係と言ってしまってよいのだろうか。そんな疑問をもとに、府中市美術館がなぜ公園の中にできたのかを調査し、公園の中にあることで生じる問題点について考察した。また東京都の他の公立美術館がどのような環境にあるのかを調査することで、府中市美術館の特異性が明らかになってきた。
光と緑あふれる美術館はすばらしい。しかし、わたしたちが公園に芸術を持ち込む一方で、市民は公園に様々な機能を期待し続けている。公園への過剰で曖昧なイメージが街にふさわしい美術館の姿を分かりにくくさせたのではないかという結論に至った。
岡澤朋香／東京都現代美術館美術図書室の機能と役割
他のアート・ライブラリとの比較による考察
概要
美術館の館内に設置された図書室、すなわちアート・ライブラリとは、美術に関する資料を収集・提供する専門図書館の一種である。欧米の美術館には充実した蔵書とサービスを提供するアート・ライブラリが古くから存在し、多くの来館者に活用されている。一方、日本における歴史は未だ30年程度にしか満たず、その存在が広く一般に認識されているものであるとは言いがたい。また日本の美術館においてアート・ライブラリの地位は低く、現状について深く掘り下げた議論はこれまでほとんどなされてこなかった。
そこで、本研究では、国内でも有数の規模と歴史を誇る東京都現代美術館美術図書室を取り上げ、事例研究を展開する。蔵書や設備等の特徴を把握するとともに、他のアート・ライブラリとの比較によって、その機能と役割を考察していく。今まで積極的に取り上げられることのなかったアート・ライブラリという施設の姿を、多方面から確認していきたい。