武蔵野美術大学
通信教育課程
小林 伸一郎／民藝をめぐる公共放送の変遷史【優秀賞】
—NHKクロニクル（1953-2025年）にみる意味の再編と文化的記憶の構築—
概要
本研究は、1953年から2025年の70年に及ぶ「民藝」に関するNHK番組データを分析し、柳宗悦が提唱した「民藝」概念が、公共放送を通じていかなる「公共的記憶」として形成・更新されてきたのかを明らかにする、メディア論的観点からの実証研究である。
量的・質的分析の結果、民藝表象は固定的な伝統の再現ではなく、時代ごとに構造的な再文脈化を繰り返してきたことが示された。黎明期の「教育・生活改善」、高度成長期の「地域産業」、バブル期の「美術・趣味」を経て、震災後には「地域再生・生活美学」の文脈が前景化し、2020年代にはSDGsやコロナ禍を背景に「持続可能な暮らしの倫理」と接続する語りが顕在化している。
本研究は、公共放送が単なる情報の伝達媒体にとどまらず、社会的要請に応じて民藝の意味を繰り返し語り直し、生活美学を社会的記憶として定着させる「記憶の装置」として機能してきたことを示すものであり、民藝研究とメディア研究を横断する新たな分析視座を提示する。
東山 早苗／札幌市における野外彫刻の変遷
—5つの公共空間から読み解く、戦前から現代までの連続性と多様性の一考察—
概要
本研究は、札幌市における野外彫刻の設置背景と変遷を、戦前から現代に至る都市整備と文化動向の連続性、多様性の観点から整理したものである。対象は5つの公共空間に設置された野外彫刻とし、作品のテーマ、作家の地域性、技法・素材、設置経緯を調査した。都市整備の流れと、彫刻設置における市民との関係性を検討することにより、彫刻が都市の節目を記録し、記憶を留めるメディアとして機能してきたことを明らかにした。具象から抽象、記念碑から体験型作品への展開を経て、彫刻は都市象徴にとどまらず、公共空間における日常的な存在へと変容している。近年は景観形成や市民参加型アートの広がりにより、都市と人との関係を再構築する装置としての役割が強まる一方、維持や保存、観光・教育資源としての活用、デジタルアーカイブ化など、価値継承に向けた課題が浮上している。これらの調査結果に基づき、札幌市における野外彫刻の変遷とその意義について考察する。
塩沢 朋子／イメージから読み解く有島武郎「一房の葡萄」
—色彩学とキリスト教図像学からの考察—
概要
本稿は、有島武郎（1878‒1923）による初の童話集『一房の葡萄』（叢文閣、1922）の巻頭作、「一房の葡萄」を取り上げ、童話であるにもかかわらず多様な解釈がなされてきた点に着目し、その源が色およびモティーフの葡萄から連想されるイメージの潤沢さにあると想定し、色彩学とキリスト教図像学をとおして分析を試みるものである。
本作は主に国文学研究の領域で論じられてきたことから、作中における色の役割と象徴性、そして、イメージに関する言及は断片的であるように見受けられた。
そこで本稿では、色彩学と図像学を用いることで、以下の3つの観点から横断的な考察を行う。まずは、ストーリーの展開における色の役割という観点である。続いて、象徴性の観点から、色と葡萄が暗示する物事を考察する。これら2つの考察は色彩学をとおして行う。そして最後は、図像学的観点から葡萄をキリスト教図像としてとらえ、ストーリーをキリスト教的に解釈することを試みる。
以上を踏まえ、想定した要素がいかにストーリーに多様な意味づけをしているのかを明らかにする。
大谷 聡子／深瀬昌久の「構成する私写真」
—写真集『洋子』における配列・反復・場面転換による物語的効果の考察—
概要
本稿は、写真家・深瀬昌久（1934‒2012）の写真集『洋子』（1978年）を、「構成する私写真」という観点から再検討するものである。
第1章では、1970年代日本における写真集文化の成熟を背景に、写真集が編集者と写真家の協働によって成立する自己完結的な作品メディアであることを整理する。第2章では写真の配列・反復・場面転換という3つの構成的手法を軸に分析を行う。第3章では、第2章で明らかにした構成的特徴を踏まえ、深瀬自身の言説、洋子の文章、周辺人物の証言を手がかりに、『洋子』における作家像と被写体像を検討する。とくに、撮影という行為が私的な関係の記録にとどまらず、編集と構成を通じて被写体をどのように像として定着させ、関係性を変質させていったのかに注目する。これにより、『洋子』を単なる私的記録ではなく、自己と他者の関係を構成的に編み直す実践として位置づける。
以上の分析を通して本稿は、『洋子』を深瀬昌久と洋子による私的な写真集としてではなく、関係の痕跡を配列・反復・場面転換によって編み上げた「構成する私写真」として捉え直すことを試みる。
髙橋 睦／スナフキンの図像学
—色彩・持物・神話で読み解く象徴性—
概要
2025年は「ムーミン」小説シリーズ第1作『小さなトロールと大きな洪水』（1945年）の刊行から80周年にあたる。本シリーズはフィンランド出身の画家トーベ・ヤンソン（2001年没）によって書かれ、全9冊が出版され現在に至るまで高い人気を保っている。トーベ自身によって挿絵や表紙に描かれた個性的なキャラクターたちはその魅力の一つとなっている。
なかでも主人公ムーミントロールの親友であるスナフキンは、シリーズの大半に登場し、物語において重要な役割を担う存在である。本研究では、スナフキンの魅力がいかなる要因に基づくのかを明らかにするため、外見的要素に着目し、図像学的観点から考察を行う。
まず、色彩学の視点よりスナフキンの服装に見られるイメージカラー「緑」の意味を分析し、次にパイプやハーモニカといった持ち物をアトリビュートとして解釈することを試みる。さらに、作者の出自である北欧・ヨーロッパ神話に登場する神々との共通点を探り、スナフキンが数少ない人間的外見を持つ理由も含め、その神話的意義を考察する。以上の分析を通して、象徴的存在としてのスナフキン像を明確化することを目的とする。
大谷 愛子／アルフォンス・ミュシャ《スラヴ叙事詩》における視覚言語の形成と歴史画の再定義
—技法・理念・象徴性に基づく構成原理の分析—
概要
本研究は、アルフォンス・ミュシャによる連作《スラヴ叙事詩》の表現技法と理念の背景を再検討し、従来の歴史画とは異なる造形構造と視覚言語の特質を明らかにする。本研究における「視覚言語」とは、ミュシャが歴史的理念を視覚化するために用いた構図・色彩・寓意像・視線誘導など、造形技法の総体を指す。
アール・ヌーヴォー期に確立したミュシャ様式の継承に加え、写真資料の活用や演劇照明の応用、寓意像の配置、視線の交差といった造形的手法は、鑑賞者の感情と視線を巻き込む演劇的構成を生み出し、民族理念である汎スラヴ主義の可視化に寄与している。また、《スラヴ叙事詩》にみられる象徴主義的傾向は、パリ時代の思想的交流のみならず、幼少期の宗教体験や故郷イヴァンチツェの風土に根ざした精神性にも支えられていると考える。
以上の分析から《スラヴ叙事詩》はミュシャの理念と技法の融合によって成立した独自の歴史画であることが示される。本研究では、視覚的構成を通じて理念を造形化するミュシャの手法に着目し、歴史画の再解釈に資する視点を提示するものである。
新井 雛／映画『アラバマ物語』の主人公描写における対の[弁護士/父親]描写とその二重性【優秀賞】
映像表現に見るフィンチの変化とmockingbirdの生死
概要
本稿では、米製作映画『アラバマ物語』（To Kill a Mockingbird,1962）における主人公描写を映像表現から分析する。ハーパー・リー（Nelle Harper Lee, 1926-2016）の『To Kill a Mockingbird』（1960）を映像化した本作にて、主人公がどのように描写されているのかを映像分析から詳らかにすることが本稿の目的である。まず、『アラバマ物語』の全体の構成と劇中での三幕構成を確認し、幕毎の主人公の基本的な描写のされ方について概観する。次に、全体を通した展開および幕毎の描写の差異に着目し、そこから見えてくる主人公描写についてプロット毎に検討する。特に、主人公は三幕構成に従って変化しながら描かれているという映像作品に特徴的な点に着目し、主人公の劇中での描かれ方とその変化について分析を行う。そして、本作での主人公描写にはプロット毎に差異があり、二重性をもって描写されているという点を考察する。最終的に『アラバマ物語』の主人公は、弁護士描写と父親描写との二重性をもって描かれているという結論を提示する。
石田 智恵子／ストリート・スナップにおけるソール・ライターの画面構成力【優秀賞】
被写体・構成要素・撮影スタイルの分析から
概要
ソール・ライターは当時（1950年代〜）モノクロ写真が主流だった時代にニューヨークのストリート、主に自宅周辺をカラー写真で撮り続けた。その色彩感覚が評価され今日では「カラー写真のパイオニア」と言われる。本論文では、その色彩も含めた「画面構成力」の高さを考察する事によってライターの写真には写真集や写真展における写真群の評価ではなく一枚一枚それぞれに内在する強さがありライターの写真の魅力が一過性のものではない事を明らかにしていく。
具体的には、写真集『Early Color』、図録『Saul Leiter（2012年）』の2冊から93枚を研究対象とし被写体・構成要素・撮影スタイルを分析、さらにそれらを踏まえ93枚の中から特に特徴が表れ、ライターらしい写真表現がされていると思われる12枚を選び再分析する事により「画面構成力」を引き出した。
その結果、ライターは見たままをストレートに写すのではなくカメラという媒体の特性を活かしながら独自な視点と技術を通して画面を構成し、人間の目で見るのとは違う世界を撮影している事がわかった。そしてその画面構成力は、写真独自の遠近感、静と動、時間経過、異なる世界の混在、遮断された空間、不可思議性などを生み出し、それらが「強度」となって鑑賞者は一枚一枚に想像力を掻き立てられ、惹きつけられ続けるのではないかと結論づけた。
井山 尚子／広重《美人東海道》
〈失敗シリーズ〉説の再検討に向けて
概要
本研究は、浮世絵の中で風景画の第一人者である歌川広重による美人画のシリーズに光を当てるものである。広重は、浮世絵版画《東海道五拾三次 保永堂・仙鶴堂版（通称「保永堂版東海道」）》で一躍スターダムに躍り出て、東海道物だけでも多くのシリーズを手掛けている。そのうちの一つに《東海道五十三図会（美人東海道）》があるのだが、認知度も低く、未完成に終わっている。
そこで、広重という絵師や浮世絵の役割にも触れ、《東海道五十三図会（美人東海道）》を知ってもらうために、絵師の理想像ともいわれる美人画に広重はどのような美人を描いたのか、背景に描かれているコマ絵とともに、ディスクリプションを試みた。
《東海道五十三図会（美人東海道）》が未完に終わった理由については、そのころの広重のおかれた状況や作品制作の面などからの考察と、画面分析から特徴を明らかにすることで広重の作品に込めた意図や心情を推察するという新たな観点から検証した。そのうえで、制作が利益重視の版元主導ではなく、コンセプトを重視した広重主導である可能性を示した。また、その価値についても、作品論を踏まえ、当時と現在の浮世絵版画の価値観の違いも含めたうえで評価できる点を見出した。
竹村 倫子／ステイニング技法による絵肌の考察
水が織りなすにじみとぼかし、色とかたち
概要
本稿ではステイニング技法に焦点をあて、同技法により画面に生み出されるにじみとぼかしを特徴とする絵肌、そして色と形が織りなす多彩な表現について考察した。
本調査は最初に黎明期を支えた抽象表現主義カラーフィールド・ペインティングを代表するモーリス・ルイスなどの作家及び同時代の批評家に加え、現在活動を行う丸山直文の作品を通じ、ステイニング技法の作品を、作家の制作過程にも着目し観察した。またステイニング技法を自ら実践することを通し、同技法の画面表現を支える構成要素を特定し体系化を行った。さらに、作家により選出された異なる要素を軸に生み出される画面効果についてまとめ、要素と表現の関係性から考察を行った。
結論として、ステイニング技法の特徴であるにじみとぼかしの表現は、作家が最終的な画面イメージを念頭に絵肌を構成する要素を念入りに抽出し、各要素と制作時の手技、環境などが複雑に影響しあい、最終的な絵肌に結実している様を観察する事ができた。
合原 秀樹／明治から平成期の展覧会に見る琳派概念の形成と変容
百貨店催事から近代美術館企画展へ
概要
玉蟲敏子氏は「俵屋宗達、尾形光琳、酒井抱一の《風神雷神図》三点の同時展示が、江戸時代を通じて琳派という古典美を継承してきたという伝説を生んだ。そして、近代のナショナリズムが「伝統の創出」を促し、伝説が流派として認知された」としている。「ではなぜナショナリズムが強調されなくなった戦後も、大衆の認知を拡大させたのか」という問いを立てた私は、展覧会の変遷を軸に、認知の移り変わりと、琳派概念の形成、琳派の利用と変容について考察した。
結果、日本の展覧会は、明治の政策目的の政府や、商売目的の三越による利用に始まり、大正のナショナリズム高揚のための利用を経て、戦後の商売目的の共催展（企画展）利用に移り変わったことを確認した。共催展では集客のための話題性が重要であり、琳派伝説は「シンボル」として利用されたと考える。「琳派」という名称は、1972年東京国立博物館の特別展「琳派」にて安定し、その後は数十万人規模の展覧会が繰り返され、大衆の認知を高めていく。
一方「私淑」により繋がる琳派は、後世の者が取捨選択や変容の自由を有している点が、家系や師弟関係で繋がる流派と大きく異なる。この自由度が、琳派が持つ装飾性、大胆な構図とデフォルメや色面表現、モチーフの引用といった近現代に通じる特性と相まって、多くの作家の参照、継承、変容、利用を呼んだと考える。琳派の継承を意識した者から、モチーフや画題を参照しただけの者まで幅があるが、参照と変容への自由度の高さが、琳派が永く利用され続ける要因の一つではないかと考える。
太田 耕平／鳥取県による県立美術館の整備と《ブリロ・ボックス》購入騒動に関する一考察【優秀賞】
報道が創る地域社会の現実と、外部環境に左右される美術館整備の意義について
概要
本研究では、2025年度に開館する鳥取県立美術館の整備を辿るとともに、2022年夏から秋にかけて全国的な騒動に発展した、鳥取県によるアンディー・ウォーホル《ブリロ・ボックス》の購入にまつわる県内の動向を把握する。そして、地域社会において県立美術館が何を期待され、また、現代アートが県民にどのように認知されているかを考察する。
具体的には、鳥取県ウェブサイトにおける県立美術館整備の関連資料や、鳥取県議会ウェブサイトにおける行政報告資料と会議録、並びに、《ブリロ・ボックス》購入に関するニュースメディアの報道記事等を収集・整理し、分析した。
その結果、鳥取県教育委員会による《ブリロ・ボックス》の購入は、メディアを中心に批判が噴出した状況とは裏腹に、地元ではむしろ、本作品を県立美術館でしっかりと活用してほしいという期待感が大きいことがわかった。また、全国の都道府県で最も人口が少ない鳥取県では、県立美術館は人口減少対策のために整備されていることや、公立美術館建設の意義が、時代時代によって移り変わっていくことがわかった。
そして、メディアの一面的な報道を端緒に国民が過剰に反応し、県が背中を押されるように説明会を開催していく状況からは、地域社会の現実をメディアが報道するのではなく、報道が地域社会の現実をつくっていくことも垣間見えた。
西尾 知子／彫刻家・安田 侃、作品の観察と分析
パブリックアートにおける安田作品の好適性を考察する
概要
本研究は、北海道出身でイタリアにて制作活動を続ける安田 侃（1945年〜）の彫刻作品、中でも日本国内にあるパブリックアートを取り上げ、設置場所の観察と過去から現代に至るまでの作品の形態や評価の変遷を調査し、パブリックアートにおける安田作品の好適性について考察する。
1章では、安田侃の作品について、鑑賞者の感想、作品の形状と材質、国内の設置状況について調査結果をまとめ、分析する。国内の設置状況一覧表、観察記録、主な作品の形状の分類表が調査結果の資料となる。
2章では、現在の作風にいたるまでの変遷を調査し、その分岐点となったと想定される北海道美唄市にあるモニュメント《炭山の碑》の制作経緯、炭鉱の歴史と現在に続く作風の原点を確認する。
3章では、パブリックアートにおける安田作品の好適性を点検する。
彫刻の制作だけでなく、地域コミュニティとの連携や歴史を繋ぐことにも重きを置く安田の活動と作品鑑賞を通じた気付き、パブリックアートとしての存在価値について、自身の考えをまとめた。
中田 歩／雑誌『教育美術』から見る 美術館と学校の連携
連携から連携へ 社会とつながる美術教育
概要
急激に変化する社会。大人でも対応が困難な時代において、これからの日本を担う子どもたちに必要な教育は、個性を引き出す力ではないか。と美術教育に興味を持つようになった。そこで本研究では、月刊誌『教育美術』に掲載された「美術館と学校の連携」の記事から美術教育の傾向や時代変化などを捉えるとともに、分析から見えてくる「連携」の姿を整理することを目的として文献調査を行った。
研究方法は、教育課程基準の学習指導要領に「美術館の活用」が明示された期間を含め1990年から2023年を対象として、記事を収集・データ化・分析を行った。
その結果「連携」は、実践までに様々な課題があることが分かった。30年余りの実施報告からは、全国の連携の具体的な取組みや課題解決法などが示されていた。学校と美術館双方の工夫や試行の紹介が掲載されており、指導者側の意識変化も確認できた。本研究における「連携」は、いつの時代でも子どもたちに社会とつながる学習機会を与えるため、次なる連携を生む手引書だと考察した。
村田 陽子／北大路魯山人に対する評価の変遷をたどる
唯我独尊の書家が、日本を代表する芸術家になるまで
概要
東京2020オリンピック開催のタイミングに合わせて、アテネの国立ビザンティン・クリスチャン美術館（ギリシャ）において「北大路魯山人」展が開催される予定であった。実際は新型コロナウィルス感染拡大の影響で中止となったが、数多くいる芸術家の中で魯山人が選ばれたことに疑問を抱いた。その疑問を解くための一端として、魯山人について書かれた文献をもとに魯山人の評価の変遷をたどり、「北大路魯山人」展が企画されることになった理由を考察することが本研究の目的である。
本研究は、国立国会図書館、東京都立図書館、武蔵野美術大学美術館・図書館の三カ所の図書館に所蔵されている魯山人の文献をもとに行なった。三つの図書館の文献を整理して作成した363点の文献リストと、90点の展覧会リストを参考に、文献の種類を分類し、魯山人の取り上げられ方を調査した。また、必要に応じて内容を確認し、タイトルや文献内容から読み取れる傾向を分析した。その結果、時代の流れとともに魯山人の評価が移り変わり、人々の間で魯山人の虚像が形成されていることが確認できた。